In 1995, Chatchai Puipia painted a

In 1995, Chatchai Puipia painted a luridly hued, maniacally grimacing visage, Siamese Smile, which soon became the foremost icon of Southeast Asian contemporary art. Since then, Chatchai has become known for his mocking self-portraits, numbering among the dozen or so artists of his generation to pioneer Thailand’s cultural transition from modernist to contemporary art.

Lesser known is the part of his practice devoted to still-life flower paintings, often interpretations of iconic works by modern masters such as Van Gogh, Redon and Cezanne. Done between 1996 and 2011, these paintings were at the center of “Chatchai Puipia: Sites of Solitude – Still-Life, Self-Portraiture and the Living Archive”—a curatorially ambitious show produced in a collaboration between Bangkok’s 100 Tonson Gallery and the Thai Art Archives.

Eight of the 14 canvases exhibited are from Chatchai’s still-life series painted “after modern masters.” As curator Gregory Galligan explains in the exhibition catalog, Chatchai began this series with Sunflowers (1996), a rendition of Van Gogh’s 1888 masterpiece of the same subject. Painting the blossoms in a monochrome silhouette, using ash against a gold-leaf background and layering wax onto the canvas, the artist’s intent was to question what happens to art in the marketplace: he transformed the richly aesthetic original into something like a Byzantine icon, shorn of color gradations and depth.

From 2005 onward, Chatchai produced more of these interpretive paintings, but with the added purpose of exploring the aesthetic qualities of light and shadow, inspired by Japanese novelist Junichiro Tanizaki’s 1935 essay, “In Praise of Shadows.” An example is Hollyhocks in Red Pot (2006–09), done after Van Gogh’s 1886 painting Vase of Hollyhocks.

Aside from capturing the fleeting effects of light, Chatchai created each still life to convey his interpretation of a particular friend’s psychology (though how this latter aim was achieved was not addressed in the exhibition catalog). The show did, however, allow viewers a closer look at the works’ details, such as words written in relief paint on some of the canvases, including lyrics from Chatchai’s favorite Thai country ballads.

Elements of his interpretive still lifes, including the words in relief, also feature in three recent self-portraits that rounded out the show. Whereas his earlier self-portraits are impish, satirical, loosely composed and painted in red, yellow and orange, the new works are nearly monochromatic, featuring a simpler compositional structure and a somber, balanced tone. They introduce the butterfly as a new motif, inspired by those fatally attracted to the toxic paints in the artist’s studio.

In 03:15 a.m., 16-05-2014 (2014), the artist’s face in profile is surrounded by red-haloed butterflies and a trumpeting elephant’s head. The date in the title refers to a moment during Bangkok’s turbulent anti-government protests, just days before the Thai military seized power. Galligan sees these portraits as evidence that Chatchai is at his peak of mastery and transcendence, following five years spent in near solitude, after theatrically announcing his leave from the art world in 2010.

The show was part of a larger project with the Thai Art Archives that also resulted in a digital database of Chatchai’s work and a publication of his biography. At 100 Tonson, a vitrine displayed personal ephemera such as photos, postcards and catalogs from his studio, revealing that the ever-brooding Chatchai is a fan of 19th-century European and American coming-of-age novels like Mark Twain’s The Adventures of Huckleberry Finn (1884).

The exhibition also provided a rare glimpse at three works from the 1980s that reveal Chatchai’s artistic beginnings, when he was developing his own approach to modernist styles such as photorealism, abstract expressionism and assemblage. It appears that his skills were already strong then, and that even after he moved on to figuration and portraiture, he continued to draw on previously learned lessons.

By presenting works of different periods and types side-by-side, along with astute commentary, the show traced Chatchai’s working processes and conceptual development in an effective way. The show’s strong rationale and focus provided a good example of how independent initiatives, organized by galleries, nonprofits and individuals, are making curatorial sense of Thailand’s art and its development, filling the gap left by the absence of a national museum devoted to contemporary art.
Tools

ผลลัพธ์ (ไทย) 1:

ใน 1995, Puipia ฉัตรชัยทาสีเป็น maniacally grimacing, luridly hued visage สยามยิ้ม ซึ่งจนกลายเป็นไอคอนสำคัญของศิลปะร่วมสมัยเอเชียตะวันออกเฉียงใต้ ตั้งแต่นั้น ฉัตรชัยที่รู้จักกันใน self-portraits เขา mocking เลขหมู่ที่โหล หรือเพื่อให้ศิลปินรุ่นบุกเบิกของไทยวัฒนธรรมเปลี่ยนแปลงจาก modernist ศิลปะร่วมสมัย น้อยกว่าที่รู้จักกันเป็นส่วนหนึ่งของแบบฝึกหัดของเขาอุทิศให้กับภาพวาดดอกไม้นิ่ง มักตีความผลงานโดดเด่นตามแบบสมัยใหม่เช่นตู้เซฟ Redon และเซอซานน ทำระหว่างปี 1996 และ 2011 ภาพวาดเหล่านี้ได้ที่ "ฉัตรชัย Puipia: ไซต์อันสันโดษนิ่ง Portraiture ตนเองและเก็บชีวิต" — ดูทะเยอทะยาน curatorially ผลิตในความร่วมมือระหว่างกรุงเทพฯ 100 ต้นสนแกลลอรี่และเก็บศิลปะไทยแปดของผืนผ้า 14 ที่จัดแสดงได้จากชุดยังคงชีวิตของฉัตรชัยทาสี "หลังสมัยใหม่หลักการ" เป็นภัณฑารักษ์ Galligan เกรกอรีอธิบายในแค็ตตาล็อกนิทรรศการ ฉัตรชัยเริ่มชุดนี้พร้อมกับซันฟลาวเวอร์ (1996), rendition ของตู้เซฟ 1888 ผลงานชิ้นเอกของเรื่องเดียวกัน บลอสซั่มในภาพเงาขาวดำ ใช้เถ้าจากพื้นหลังทองคำเปลวและ layering เทียนลงบนผ้าใบ ภาพวาดเจตนาของศิลปินมีคำถามเกิดอะไรขึ้นกับศิลปะในตลาด: เขาเปลี่ยนต้นฉบับความงามมั่งคั่งเป็นบางสิ่งบางอย่างเช่นไอคอนไบแซนไทน์ shorn ไล่สีและความลึกตั้งแต่ปี 2548 เป็นต้นไป ฉัตรชัยผลิตมากกว่าภาพวาดเหล่านี้ interpretive แต่ มีเพิ่มวัตถุประสงค์ของการสำรวจ คุณภาพความงามของแสงและเงา แรงบันดาลใจคนญี่ปุ่นเขียนเรียง 1935 ช่วง Tanizaki "ในการสรรเสริญของเงา" ตัวอย่างคือ Hollyhocks ในหม้อสีแดง (2006-09), ทำหลังตู้เซฟ 1886 วาดแจกัน Hollyhocksนอกจากการจับลักษณะลี้แสง ฉัตรชัยสร้างแต่ละชีวิตยังคงถ่ายทอดของเขาตีความให้เฉพาะเพื่อนของจิตวิทยา (แม้ว่าบรรลุจุดมุ่งหมายนี้หลังไม่อยู่ในแค็ตตาล็อกนิทรรศการ) แสดงได้ อย่างไรก็ตาม อนุญาตให้ผู้ชมรายละเอียดของงาน เช่นคำที่เขียนบนผืนผ้า รวมเนื้อเพลงจากบัลลาดส์ประเทศไทยโปรดของฉัตรชัยบางสีบรรเทา องค์ประกอบของเขา interpretive ยังสิ่งมีชีวิต การรวมคำในบรรเทา นอกจากนี้คุณลักษณะใน self-portraits ล่าสุดสามที่ปัดออกงาน ในขณะที่ self-portraits ของเขาก่อนหน้านี้ ใจ impish, satirical ซึ่งประกอบด้วยสีแดง สีเหลือง และสี ส้ม งานใหม่จะยังเกือบ โครงสร้าง compositional ง่ายกว่าและเสียง somber สมดุล พวกเขาแนะนำผีเสื้อเป็นแปลนใหม่ แรงบันดาลใจ โดยผู้เสียชีวิตติดใจสีที่เป็นพิษในสตูดิโอของศิลปิน 03:15 น. 16-05-2014 (2014), ล้อมใบหน้าของศิลปินในโปรไฟล์ ด้วยผีเสื้อสีแดงทรงกลดและหัวของช้างที่ trumpeting วันที่ในชื่อเรื่องหมายถึงช่วงประท้วงในกรุงเทพฯ เชี่ยวต่อต้านรัฐบาล เพียงวันก่อนไทยทหารยึดอำนาจ Galligan เห็นภาพเหล่านี้เป็นหลักฐานที่ฉัตรชัยยอดเขาเป็นครูและปรองดอง ต่อ 5 ปีใช้สันโดษใกล้ หลังจากการประกาศของเขาลาจากโลกศิลปะปี 2553 theatrically แสดงเป็นส่วนหนึ่งของโครงการใหญ่ที่มีคลังข้อมูลศิลปะไทยที่ยัง มีผลในฐานข้อมูลดิจิตอลของฉัตรชัยงานและเผยแพร่ประวัติของเขา ที่ 100 ต้นสน vitrine การแสดงประทับส่วนบุคคลเช่นภาพถ่าย โปสการ์ด และแค็ตตาล็อกจากสตูดิโอของเขา เปิดเผยว่า ฉัตรชัย brooding เคยเป็นแฟนของศตวรรษยุโรปและสหรัฐอเมริกามาอายุนวนิยายเช่นมาร์คทเวนที่ผจญภัยของ Huckleberry ฟินน์ (1884)นอกจากนี้นิทรรศการยังให้เหลือบหายากที่ผลงานสามจากไฟต์ที่เปิดเผยของฉัตรชัยศิลปะชิ้น เมื่อเขาได้พัฒนาตนเองวิธีการลักษณะบุกเบิกสัจนิยมแบบภาพถ่าย บทคัดย่อ expressionism และผสมผสาน ปรากฏว่า ทักษะของเขาได้แล้วนั้นแข็งแกร่ง และที่แม้หลังจากที่เขาย้ายบน figuration และ portraiture เขายังคงวาดในบทเรียนที่เคยเรียนรู้โดยนำเสนองานของระยะเวลาและชนิด--เคียงข้างกัน พร้อมอรรถกถา astute งานตรวจสอบของฉัตรชัยพัฒนาแนวคิดและกระบวนการทำงานในวิธีที่มีประสิทธิภาพ การแสดงผลที่แข็งแรงและเน้นให้เป็นตัวอย่างที่ดีของริเริ่มวิธีอิสระ จัดเก็บ nonprofits และ บุคคล จะทำให้รู้สึกภัณฑารักษ์ศิลปะของไทย และการพัฒนา การเติมช่องว่างจากการขาดงานของพิพิธภัณฑสถานแห่งชาติที่ทุ่มเทเพื่อศิลปะร่วมสมัยเครื่องมือ

ผลลัพธ์ (ไทย) 2:

ในปี 1995 ฉัตรชัย Puipia ทาสี hued อย่างซีดเซียว, คลั่งไคล้ grimacing ใบหน้า, รอยยิ้มสยามซึ่งเร็ว ๆ นี้กลายเป็นไอคอนสำคัญที่สุดของศิลปะร่วมสมัยเอเชียตะวันออกเฉียงใต้ ตั้งแต่นั้นมาฉัตรชัยได้กลายเป็นที่รู้จักกันสำหรับการเยาะเย้ยตัวเองถ่ายภาพบุคคลของเขานับในหมู่โหลหรือดังนั้นศิลปินในรุ่นของเขาเป็นผู้บุกเบิกการเปลี่ยนแปลงทางวัฒนธรรมของไทยจากสมัยกับศิลปะร่วมสมัย. ที่รู้จักกันน้อยเป็นส่วนหนึ่งของการปฏิบัติของเขาที่อุทิศให้กับยังคงมีชีวิตภาพวาดดอกไม้ มักจะตีความผลงานที่โดดเด่นโดยผู้เชี่ยวชาญที่ทันสมัยเช่นแวนโก๊ะ Redon และ Cezanne ทำระหว่างปี 1996 และปี 2011 ภาพวาดเหล่านี้เป็นที่ศูนย์ของ "ฉัตรชัย Puipia: เว็บไซต์แห่งความโดดเดี่ยว - ยัง-Life ตนเอง Portraiture และชีวิตเอกสารเก่า" โชว์ -a curatorially ทะเยอทะยานที่ผลิตในความร่วมมือระหว่างกรุงเทพฯ 100 ต้นสนแกลเลอรี่และไทย จดหมายเหตุศิลปะ. แปดที่ 14 ภาพแสดงจากซีรีส์ยังคงชีวิตฉัตรชัยของทาสี "หลังจากที่โทที่ทันสมัย." ในฐานะที่เป็นผู้ปกครองเกรกอรี่ Galligan อธิบายในแคตตาล็อกนิทรรศการฉัตรชัยเริ่มชุดนี้กับดอกทานตะวัน (1996), ความหมายของฟานก็อกฮ์ 1888 ชิ้นเอก ในเรื่องเดียวกัน ภาพวาดดอกไม้ในเงาขาวดำโดยใช้เถ้ากับพื้นหลังทองและ layering ขี้ผึ้งลงบนผืนผ้าใบเจตนาของศิลปินคือการตั้งคำถามกับสิ่งที่เกิดขึ้นกับศิลปะในตลาดเขาเปลี่ยนเดิมความงามหรูหราเป็นสิ่งที่ต้องการเป็นไอคอนไบเซนไทน์ ตัดการไล่สีและความลึก. จาก 2005 เป็นต้นไปฉัตรชัยผลิตมากขึ้นจากภาพวาดที่สื่อความหมายเหล่านี้ แต่มีวัตถุประสงค์ที่เพิ่มขึ้นของการสำรวจคุณภาพความงามของแสงและเงา, แรงบันดาลใจจากนักเขียนนวนิยายชาวญี่ปุ่นจุนอิชิโร Tanizaki 1935 เรียงความ "สรรเสริญเงา." ตัวอย่างคือ hollyhocks แดงหม้อ (2006-09) ทำหลังจากฟานก็อกฮ์ 1886 ภาพวาดแจกัน hollyhocks. นอกเหนือจากการจับภาพผลกระทบที่หายวับไปของแสงฉัตรชัยสร้างขึ้นในแต่ละชีวิตยังคงที่จะถ่ายทอดความหมายของจิตวิทยาเพื่อนโดยเฉพาะ (แต่วิธีนี้ จุดมุ่งหมายหลังก็ประสบความสำเร็จไม่ได้แก้ไขในแคตตาล็อกนิทรรศการ) แสดงได้ แต่ช่วยให้ผู้ชมมองใกล้ที่รายละเอียดผลงาน 'เช่นคำที่เขียนในสีบรรเทาในบางส่วนของภาพรวมทั้งเนื้อเพลงจากฉัตรชัยที่ชื่นชอบเพลงบัลลาดประเทศไทย. องค์ประกอบของสิ่งมีชีวิตยังคงสื่อความหมายของเขารวมถึงคำใน โล่งอกยังมีบทบาทสำคัญในการถ่ายภาพบุคคลที่สามที่ผ่านมาด้วยตนเองที่โค้งออกแสดง ในขณะที่การถ่ายภาพบุคคลด้วยตนเองก่อนหน้านี้ของเขาเป็นเหมือนผีตัวเล็กซุกซน, เหน็บแนมอย่างอิสระสงบและทาสีในสีแดง, สีเหลืองและสีส้ม, ผลงานใหม่เกือบเดียวที่มีโครงสร้าง compositional ง่ายและอึมครึมเสียงที่สมดุล พวกเขาแนะนำผีเสื้อเป็นบรรทัดฐานใหม่แรงบันดาลใจจากผู้ที่ดึงดูดสาหัสกับสีที่เป็นพิษในสตูดิโอของศิลปิน. ใน 3:15, 16-05-2014 (2014) ใบหน้าของศิลปินในรายละเอียดที่ล้อมรอบด้วยผีเสื้อสีแดง haloed และหัวช้างตีฆ้องร้องป่าวของ วันที่ในชื่อเรื่องหมายถึงช่วงเวลาในระหว่างการประท้วงต่อต้านรัฐบาลในกรุงเทพฯป่วนเพียงไม่กี่วันก่อนที่กองทัพไทยยึดอำนาจ Galligan เห็นการถ่ายภาพบุคคลเหล่านี้เป็นหลักฐานว่าฉัตรชัยอยู่ที่จุดสูงสุดของเขาของการเรียนรู้และมีชัยต่อไปนี้ห้าปีที่ใช้ในความสันโดษที่อยู่ใกล้หลังจากประกาศลาท่าทางของเขาจากโลกศิลปะในปี 2010 แสดงเป็นส่วนหนึ่งของโครงการขนาดใหญ่ที่มีจดหมายเหตุศิลปะไทย ที่ยังส่งผลให้ฐานข้อมูลดิจิตอลของการทำงานของฉัตรชัยและสิ่งพิมพ์ของชีวประวัติของเขา ที่ 100 ต้นสนเป็น vitrine แสดงแมลงเม่าส่วนบุคคลเช่นภาพถ่ายโปสการ์ดและแคตตาล็อกจากสตูดิโอของเขาเผยให้เห็นว่าฉัตรชัยเคยครุ่นคิดเป็นแฟนของศตวรรษที่ 19 ในยุโรปและอเมริกานิยายมาของอายุเช่น Mark Twain ของการผจญภัยของเกิล ฟินน์ (1884). นิทรรศการยังให้เหลือบหายากที่สามผลงานจากปี 1980 ที่แสดงให้เห็นจุดเริ่มต้นของศิลปะฉัตรชัยเมื่อเขาได้รับการพัฒนาวิธีการของตัวเองของเขาที่จะรูปแบบสมัยใหม่เช่นสมจริง, expressionism นามธรรมและการชุมนุม ปรากฏว่าทักษะของเขาอยู่แล้วที่แข็งแกร่งแล้วและแม้หลังจากที่เขาย้ายไปเค้าโครงและรูปเขายังคงวาดภาพบนบทเรียนที่ได้รับก่อนหน้านี้. โดยนำเสนอผลงานของรอบระยะเวลาที่แตกต่างกันและประเภทด้านข้างพร้อมกับความเห็นที่ชาญฉลาด, แสดงกระบวนการตรวจสอบการทำงานของฉัตรชัยและการพัฒนาความคิดในวิธีที่มีประสิทธิภาพ เหตุผลที่แข็งแกร่งของการแสดงและมุ่งเน้นให้เป็นตัวอย่างที่ดีของวิธีการคิดริเริ่มอิสระจัดโดยหอศิลป์ไม่หวังผลกำไรและบุคคลที่จะทำให้ความรู้สึกภัณฑารักษ์ของศิลปะของไทยและการพัฒนา, การเติมช่องว่างที่เหลือจากการขาดงานของพิพิธภัณฑสถานแห่งชาติที่ทุ่มเทให้กับงานศิลปะร่วมสมัยเครื่องมือ

ผลลัพธ์ (ไทย) 3:

ใน 1995 , ชาติชาย ปุยเปีย ทาสี luridly hued คลั่งไคล้หน้าตาบูดบึ้ง , ใบหน้า , รอยยิ้มสยาม ซึ่งเร็วๆ นี้เป็นสัญลักษณ์ที่สําคัญของศิลปะร่วมสมัยในเอเชียตะวันออกเฉียงใต้ ตั้งแต่นั้นมา ฉัตรชัย ได้กลายเป็นที่รู้จักสำหรับของเขาล้อเลียนภาพวาด , หมายเลขของโหลหรือดังนั้นศิลปินในรุ่นของเขาบุกเบิกทางวัฒนธรรมของประเทศไทยเปลี่ยนไปจากสมัยศิลปะร่วมสมัย

น้อยกว่าที่รู้จักกันเป็นส่วนหนึ่งของการปฏิบัติเพื่อรองรับชีวิตยังคงดอกไม้ภาพวาด มักจะตีความผลงานที่โดดเด่นโดยต้นแบบที่ทันสมัย เช่น แวนโก๊ะ และ redon เซซาน . ระหว่างปี 1996 และปี 2011 , ภาพวาดเหล่านี้เป็นศูนย์กลางของ " ชาติชาย ปุยเปีย : เว็บไซต์ของความเหงา–ยังคงชีวิตเพลงของตนเองและใช้ชีวิตถาวร " - ทะเยอทะยาน curatorially แสดงผลิตในความร่วมมือระหว่างกรุงเทพฯ 100 ต้นสนแกลเลอรี่ และ ศิลปะ ไทยถาวร

8 14 ผ้าใบ ) จาก ฉัตรชัย ยังมีชีวิตอยู่ชุดทาสี " หลังจากอาจารย์ทันสมัย " เป็นผู้ดูแล Gregory ) อธิบายในนิทรรศการแค็ตตาล็อก ฉัตรชัย เริ่มที่ชุดนี้ กับดอกทานตะวัน ( 1996 )การแสดงที่ของ Van Gogh 1888 ชิ้นเอกในหัวเรื่องเดียวกัน ภาพวาดดอกไม้ในเงาขาวดำโดยใช้เถ้ากับแผ่นทองพื้นหลังและ layering ขี้ผึ้งลงบนผ้าใบ ความตั้งใจของศิลปินที่จะถามสิ่งที่เกิดขึ้นกับศิลปะในตลาด : เขาเปลี่ยนต้นฉบับความงามมั่งคั่งในบางอย่าง เช่น ไอคอน Byzantine shorn ของเกรน , สี และความลึก .

ตั้งแต่ปี 2005 เป็นต้นไป ฉัตรชัย ที่ภาพวาดแปลเหล่านี้ แต่ด้วยการเพิ่มวัตถุประสงค์ของการสำรวจคุณภาพความงามของแสง และเงา ที่ได้รับแรงบันดาลใจจากนิยายของญี่ปุ่น จุนอิจิโร่ tanizaki 1935 เรียงความ " สรรเสริญในเงา " ตัวอย่าง hollyhocks ในหม้อแดง ( 2006 – 09 ) , ทำหลังจากที่แวนโก๊ะ 1886 จิตรกรรม แจกัน hollyhocks .

นอกเหนือจากการจับผลชั่วคราวของแสง ฉัตรชัย ที่สร้างขึ้นในแต่ละชีวิตก็ยังคงถ่ายทอดการตีความของเขาโดยเฉพาะเพื่อนของจิตวิทยา ( แม้ว่าวิธีการเล็งหลังนี้คือความไม่ addressed ในนิทรรศการแค็ตตาล็อก ) โชว์ได้ แต่ให้ผู้ชมดูรายละเอียดผลงาน เช่น คำที่เขียนในการบรรเทาบางส่วนของผ้าใบสี ,