Frieze of Life—A Poem about Life, L

Frieze of Life—A Poem about Life, Love and Death[edit]
In December 1893, Unter den Linden in Berlin was the location of an exhibition of Munch's work, showing, among other pieces, six paintings entitled Study for a Series: Love. This began a cycle he later called the Frieze of Life—A Poem about Life, Love and Death. "Frieze of Life" motifs, such as The Storm and Moonlight, are steeped in atmosphere. Other motifs illuminate the nocturnal side of love, such as Rose and Amelie and Vampire. In Death in the Sickroom, the subject is the death of his sister Sophie, which he re-worked in many future variations. The dramatic focus of the painting, portraying his entire family, is dispersed in the separate and disconnected figures of sorrow. In 1894, he enlarged the spectrum of motifs by adding Anxiety, Ashes, Madonna and Women in Three Stages (from innocence to old age).[48]

Around the start of the 20th century, Munch worked to finish the "Frieze". He painted a number of pictures, several of them in larger format and to some extent featuring the Art Nouveau aesthetics of the time. He made a wooden frame with carved reliefs for the large painting Metabolism (1898), initially called Adam and Eve. This work reveals Munch's preoccupation with the "fall of man" and his pessimistic philosophy of love. Motifs such as The Empty Cross and Golgotha (both c. 1900) reflect a metaphysical orientation, and also reflect Munch's pietistic upbringing. The entire Frieze was shown for the first time at the secessionist exhibition in Berlin in 1902.[49]

"The Frieze of Life" themes recur throughout Munch's work but he especially focused on them in the mid-1890s. In sketches, paintings, pastels and prints, he tapped the depths of his feelings to examine his major motifs: the stages of life, the femme fatale, the hopelessness of love, anxiety, infidelity, jealousy, sexual humiliation, and separation in life and death.[50] These themes are expressed in paintings such as The Sick Child (1885), Love and Pain (retitled Vampire; 1893–94), Ashes (1894), and The Bridge. The latter shows limp figures with featureless or hidden faces, over which loom the threatening shapes of heavy trees and brooding houses. Munch portrayed women either as frail, innocent sufferers (see Puberty and Love and Pain) or as the cause of great longing, jealousy and despair (see Separation, Jealousy, and Ashes).

Munch often uses shadows and rings of color around his figures to emphasize an aura of fear, menace, anxiety, or sexual intensity.[51] These paintings have been interpreted as reflections of the artist's sexual anxieties, though it could also be argued that they represent his turbulent relationship with love itself and his general pessimism regarding human existence.[52] Many of these sketches and paintings were done in several versions, such as Madonna, Hands and Puberty, and also transcribed as wood-block prints and lithographs. Munch hated to part with his paintings because he thought of his work as a single body of expression. So to capitalize on his production and make some income, he turned to graphic arts to reproduce many of his most famous paintings, including those in this series.[53] Munch admitted to the personal goals of his work but he also offered his art to a wider purpose, "My art is really a voluntary confession and an attempt to explain to myself my relationship with life—it is, therefore, actually a sort of egoism, but I am constantly hoping that through this I can help others achieve clarity."[54]

While attracting strongly negative reactions, in the 1890s Munch began to receive some understanding of his artistic goals, as one critic wrote, "With ruthless contempt for form, clarity, elegance, wholeness, and realism, he paints with intuitive strength of talent the most subtle visions of the soul."[55] One of his great supporters in Berlin was Walther Rathenau, later the German foreign minister, who strongly contributed to his success.

ผลลัพธ์ (ไทย) 1:

Frieze ชีวิต — A Poem เกี่ยวกับชีวิต ความรัก และความตาย [แก้ไข]ในเดือน 1893 ธันวาคม Unter เดนลินเดนในกรุงเบอร์ลินเป็นสถานที่แสดงนิทรรศการของ Munch งาน แสดง ระหว่างชิ้นอื่น ๆ ภาพวาด 6 ได้รับการศึกษาในชุด: รัก เริ่มรอบที่เขาเรียกว่า Frieze ชีวิตในภายหลังเช่น A Poem เกี่ยวกับชีวิต ความรัก และความตาย "Frieze ชีวิต" ลง แสงจันทร์ และพายุมีคุณค่าใน อื่น ๆ ความเห็นถึงด้านบรรณาธิการของรัก โรส และแรมอมีลี่ และแวมไพร์ ตายใน Sickroom การ เรื่องการตายของเขาโซฟีน้องสาว ซึ่งเขาทำงานอีกครั้งในรูปแบบในอนาคตมาก โฟกัสภาพเขียน ขัดครอบครัวทั้งหมด ละครจะกระจายในตัวเลขแยกจากกัน และเชื่อมต่อของความเสียใจ ใน 1894 เขาขยายจำนวนมากโดดเด่น โดยการเพิ่มความวิตกกังวล ขี้เถ้า มาดอนน่า และผู้หญิงในสามขั้นตอน (จากบริสุทธิ์ยุคโบราณ) [48]สถานเริ่มต้นของศตวรรษ 20, Munch ทำงานเสร็จสิ้น "Frieze" เขาทาสีจำนวนภาพ ได้ ในรูปแบบขนาดใหญ่ และ ในบางกรณีที่มีความสวยงามของศิลปะสมัยใหม่เวลา เขาทำกรอบไม้กับ reliefs แกะสลักการวาดภาพขนาดใหญ่ (1898), เผาผลาญเริ่มเรียกอาดัมและเอวา งานนี้เผย preoccupation ของ Munch มีการ "ตกในบาป" และปรัชญาของเขาในเชิงลบของความรัก เช่นว่างระหว่าง Golgotha (ทั้งราว 1900) สะท้อนแนวขัดแย้ง และยัง สะท้อนของ Munch pietistic upbringing Frieze ทั้งที่แสดงครั้งที่แสดงขบวนการในเบอร์ลินใน 1902 [49]ชุด "Frieze ชีวิต" เกิดขึ้นตลอดการทำงานของ Munch แต่เขาโดยเฉพาะอย่างยิ่งเน้นไว้ในที่กลางช่วงปี 1890 สื่อ ในร่าง ภาพวาด พาส และพิมพ์ เขาเคาะความลึกของความรู้สึกของเขาโดดเด่นของเขาหลักการตรวจสอบ: ขั้นตอนของชีวิต ตัวอย่างไร femme fatale หวังรัก วิตกกังวล ความไม่ซื่อสัตย์ พระ ผู้ทรงเพศ และแยกชีวิตและความตาย [50] รูปแบบเหล่านี้ถูกแสดงในภาพ เด็กป่วย (1885), ความรัก และความเจ็บปวด (retitled แวมไพร์ 1893-94), ขี้เถ้า (1894), และ สะพาน แสดงหลัง limp เลข ด้วยแก่การผักผ่อน หรือซ่อนหน้า เหนือซึ่ง loom ทรงหนักต้นไม้และบ้าน brooding คุกคาม Munch เซ็กส์ผู้หญิง เป็นแพ้ frail บริสุทธิ์ (ดูวัยแรกรุ่น และความรัก และความเจ็บปวด) หรือ เป็นสาเหตุของการคิดดี พระ และความสิ้นหวัง (เห็นแยก พระ และขี้เถ้า)Munch มักใช้เงาและแหวนสีรอบ ๆ ตัวเลขของเขาเน้น aura ของความกลัว ภัยคุกคามต่อ วิตกกังวล ความรุนแรงทางเพศ [51] มีการแปลความหมายภาพวาดเหล่านี้เป็นสะท้อนของศิลปินทางเพศวิตกกังวลในช่วง แม้ว่ามันอาจยังสามารถโต้เถียงที่ จะแสดงความสัมพันธ์ของเขาปั่นป่วน ด้วยความรักตัวเองและ pessimism เขาทั่วไปเกี่ยวกับการดำรงอยู่ของมนุษย์ [52] หลายร่างและภาพวาดเหล่านี้ถูกทำในหลายรุ่น เช่นพระแม่มารี มือ และวัยแรก รุ่น และทับศัพท์ยัง เป็นไม้บล็อกพิมพ์ และ lithographs Munch ขี้เกียจส่วนกับภาพวาดของเขาเนื่องจากเขาคิดว่า ผลงานของเขาเป็นร่างกายเดียวของนิพจน์ เพื่อประโยชน์ในการผลิตของเขา และทำให้รายได้บาง เขาเปิดเพื่อศิลปะเพื่อสร้างหลายภาพของเขามีชื่อเสียงมากที่สุด รวมทั้งใน [53] Munch ชมเป้าหมายส่วนบุคคลของงานของเขา แต่เขายังเสนอศิลปะของเขาเพื่อวัตถุประสงค์กว้าง, "ศิลปะของฉันเป็นจริงสารภาพความสมัครใจและความพยายามในการอธิบายความสัมพันธ์ของฉันกับชีวิตกับตัวเองซึ่ง เป็น ดังนั้น จริง ๆ แล้วการเรียงลำดับของ egoism แต่ฉันตลอดเวลาหวังว่าที่ผ่านนี่ ผมสามารถช่วยผู้อื่นให้เกิดความชัดเจน" [54]ขณะดึงดูดปฏิกิริยาขอลบ ในช่วงปี 1890 สื่อ Munch เริ่มรับบางเข้าใจเป้าหมายของศิลปะ เป็นนักวิจารณ์คนหนึ่งเขียน "กับดูถูกหินฟอร์ม ความชัดเจน สง่างาม ว่าว และความสมจริง เขาระบาย ด้วยความง่ายของความสามารถวิสัยทัศน์ที่ลึกซึ้งที่สุดของชีวิต" [55] หนึ่งในผู้สนับสนุนของเขาดีในเบอร์ลินมี Walther Rathenau หลังจากรัฐมนตรีต่างประเทศเยอรมัน ผู้ขอเพื่อความสำเร็จของเขา

ผลลัพธ์ (ไทย) 2:

ชายคาของชีวิตบทกวีเกี่ยวกับชีวิตความรักและความตาย [แก้ไข]
ในเดือนธันวาคม 1893 Unter den Linden ในกรุงเบอร์ลินเป็นที่ตั้งของการจัดนิทรรศการของการทำงานของเคี้ยวของการแสดงในกลุ่มชิ้นอื่น ๆ หกภาพวาดสิทธิการศึกษาสำหรับซีรีส์: ความรัก นี้จะเริ่มรอบหลังจากนั้นเขาก็เรียกว่าผ้าสักหลาดของชีวิตบทกวีเกี่ยวกับชีวิตความรักและความตาย "ชายคาแห่งชีวิต" ลวดลายเช่นพายุและแสงจันทร์จะแพร่หลายในบรรยากาศ ลวดลายอื่น ๆ ส่องสว่างด้านกลางคืนของความรักเช่นโรสและ Amelie และแวมไพร์ ในความตายใน sickroom เรื่องคือความตายของน้องสาวของเขาโซฟีซึ่งเขาอีกครั้งในรูปแบบที่ทำงานในอนาคตจำนวนมาก ให้ความสำคัญอย่างมากของการวาดภาพจิตรทั้งครอบครัวของเขามีการกระจายตัวในตัวเลขที่แยกต่างหากและตัดการเชื่อมต่อของความเศร้าโศก ในปี 1894 เขาขยายสเปกตรัมของลวดลายโดยการเพิ่มความวิตกกังวล, ขี้เถ้า, มาดอนน่าและผู้หญิงในสามขั้นตอน (จากความไร้เดียงสาอายุ). [48] รอบเริ่มต้นของศตวรรษที่ 20, เคี้ยวทำงานจะเสร็จสิ้น "ชายคา" เขาวาดจำนวนภาพที่หลายของพวกเขาในรูปแบบที่มีขนาดใหญ่และบางส่วนที่มีความสวยงามอาร์ตนูโวของเวลา เขาทำกรอบไม้แกะสลักที่มีสีสรรสำหรับการเผาผลาญภาพวาดขนาดใหญ่ (1898) ครั้งแรกที่เรียกว่าอดัมและอีฟ งานนี้แสดงให้เห็นความลุ่มหลงเคี้ยวกับ "ฤดูใบไม้ร่วงของมนุษย์" และปรัชญาของเขาในแง่ร้ายของความรัก ลวดลายเช่นที่ว่างเปล่าและข้าม Golgotha ​​(ทั้งค. 1900) สะท้อนให้เห็นถึงทิศทางที่เลื่อนลอยและยังสะท้อนให้เห็นถึงการศึกษาของ pietistic เคี้ยว ทั้งชายคาถูกนำมาแสดงเป็นครั้งแรกที่จัดแสดงนิทรรศการแบ่งแยกดินแดนในกรุงเบอร์ลินในปี 1902 [49] "การชายคาแห่งชีวิต" รูปแบบที่เกิดขึ้นตลอดการทำงานของเคี้ยว แต่เขามุ่งเน้นโดยเฉพาะอย่างยิ่งกับพวกเขาในช่วงกลางยุค 1890 ในการสเก็ตช์ภาพวาดสีพาสเทลและพิมพ์เขาเคาะระดับความลึกของความรู้สึกของเขาในการตรวจสอบที่สำคัญที่สำคัญของเขา: ขั้นตอนของชีวิตประหารสิ้นหวังของความรักความวิตกกังวลนอกใจหึงหวงความอัปยศอดสูทางเพศและการแยกในชีวิตและ . ตาย [50] ธีมเหล่านี้จะแสดงในภาพวาดเช่นเด็กป่วย (1885) ความรักและความเจ็บปวด (retitled แวมไพร์; 1893-1894), ขี้เถ้า (1894) และสะพาน หลังแสดงให้เห็นว่าตัวเลขปวกเปียกที่มีใบหน้ารูปหรือที่ซ่อนอยู่มากกว่าที่ทอผ้ารูปทรงของต้นไม้ที่คุกคามหนักและบ้านครุ่นคิด Munch ภาพผู้หญิงทั้งอ่อนแอเป็นผู้ประสบภัยผู้บริสุทธิ์ (ดูวัยแรกรุ่นและความรักและความเจ็บปวด) หรือเป็นสาเหตุของความปรารถนาดีความหึงหวงและความสิ้นหวัง (ดูแยกความหึงหวงและขี้เถ้า). Munch มักจะใช้เงาและแหวนสีทั่วร่างของเขาไป เน้นกลิ่นอายของความกลัวคุกคามความวิตกกังวลหรือความรุนแรงทางเพศ. [51] ภาพเหล่านี้ได้รับการตีความว่าเป็นภาพสะท้อนของความวิตกกังวลทางเพศของศิลปิน แต่มันก็อาจจะแย้งว่าพวกเขาเป็นตัวแทนความสัมพันธ์ป่วนของเขาด้วยความรักตัวเองและมองในแง่ร้ายทั่วไปของเขาเกี่ยวกับ ดำรงอยู่ของมนุษย์. [52] หลายภาพวาดและภาพวาดเหล่านี้ได้ทำในหลายรุ่นเช่นมาดอนน่า, มือและวัยแรกรุ่นและยังถ่ายเป็นภาพพิมพ์แกะไม้บล็อกและภาพพิมพ์ Munch เกลียดที่จะเป็นส่วนหนึ่งกับภาพวาดของเขาเพราะเขาคิดว่าการทำงานของเขาในฐานะที่เป็นร่างกายเดียวในการแสดงออก ดังนั้นเพื่อประโยชน์ในการผลิตของเขาและทำให้รายได้บางส่วนเขาหันไปศิลปะภาพพิมพ์ที่จะทำซ้ำหลายภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขารวมถึงผู้ที่อยู่ในชุดนี้. [53] Munch ยอมรับกับเป้าหมายส่วนบุคคลของการทำงานของเขา แต่เขายังนำเสนองานศิลปะของเขาไป วัตถุประสงค์ที่กว้างขึ้น "ศิลปะของฉันเป็นจริงสารภาพความสมัครใจและความพยายามที่จะอธิบายให้ตัวเองความสัมพันธ์ของฉันกับชีวิตของมันจึงเป็นจริงการเรียงลำดับของความเห็นแก่ตัว แต่ฉันอย่างต่อเนื่องหวังว่าผ่านทางนี้ฉันสามารถช่วยคนอื่นให้บรรลุความชัดเจน "[54] ในขณะที่ดึงดูดปฏิกิริยาเชิงลบอย่างมากในยุค 1890 Munch เริ่มได้รับความเข้าใจในเป้าหมายศิลปะของเขาบางคนเป็นนักวิจารณ์คนหนึ่งเขียนว่า" ด้วยการดูถูกหินสำหรับรูปแบบความคมชัด, ความสง่างาม, ความสมบูรณ์และความเป็นธรรมชาติที่เขาวาดที่มีความแข็งแรงใช้งานง่าย ของความสามารถวิสัยทัศน์ที่ลึกซึ้งที่สุดของจิตวิญญาณ. "[55] หนึ่งของผู้สนับสนุนที่ดีของเขาในกรุงเบอร์ลินเป็นวอลเธอร์ Rathenau ต่อมารัฐมนตรีว่าการกระทรวงต่างประเทศเยอรมันที่มีส่วนร่วมอย่างมากต่อความสำเร็จของเขา

ผลลัพธ์ (ไทย) 3:

ชายคาของ life-a บทกวีเกี่ยวกับชีวิต ความรัก และความตาย [ แก้ไข ]
ในธันวาคม 1893 , หมู่ Den Linden ในเบอร์ลินเป็นสถานที่จัดแสดงนิทรรศการงานของขบฉัน , แสดง , ในชิ้นอื่น ๆ , ภาพวาดหกสิทธิศึกษาชุด : ความรัก เริ่มรอบต่อมาเขาเรียกผ้าสักหลาดของ life-a บทกวีเกี่ยวกับชีวิต ความรัก และความตาย . " ภาพสลักลวดลายของชีวิต เช่น พายุ และ แสงจันทร์จะได้ชมบรรยากาศ ลวดลายอื่น ๆส่องสว่างด้านกลางคืนของความรักเช่นกุหลาบและ Amelie และแวมไพร์ ความตายในห้องคนไข้ เรื่องการตายของน้องสาวของเขาโซฟี ซึ่งเขาจะทำงานในการเปลี่ยนแปลงอนาคตมากมาย โฟกัสที่น่าทึ่งของภาพวาดจิตรครอบครัวของเขาทั้งหมดถูกกระจายในแยกและตัดตัวเลขของความเศร้า ใน 1894เขาขยายสเปกตรัมของลวดลายโดยการเพิ่มความวิตกกังวล , ขี้เถ้า , มาดอนน่า และผู้หญิงใน 3 ขั้นตอน ( จากความชรา ) [ 48 ]

ช่วงเริ่มต้นของศตวรรษที่ 20 , แทะเล็ม ทำงานให้เสร็จ " บัว " เขาวาดหลายภาพ หลายของพวกเขาในรูปแบบขนาดใหญ่และมีขอบเขตที่มีศิลปะนูโว คุณค่าของเวลาเขาทำกรอบไม้แกะสลักนูนสำหรับการเผาผลาญภาพวาดขนาดใหญ่ ( 1898 ) เริ่มต้นที่เรียกว่า อดัมและอีฟ งานนี้แสดงอาหารก็ลุ่มหลงกับ " ฤดูใบไม้ร่วงของมนุษย์ " และปรัชญาในแง่ร้ายของเขาของความรัก ลวดลาย เช่น กางเขนที่ว่างเปล่าและโกลโกธา ( ซี 1900 ) สะท้อนให้เห็นถึงทิศทางที่เลื่อนลอย และยังสะท้อนให้เห็นถึงแจะเป็น pietistic การศึกษาผ้าสักหลาดทั้งหมดถูกแสดงเป็นครั้งแรกที่แบ่งแยกนิทรรศการในเบอร์ลินใน 1902 . [ 49 ]

" ภาพสลักชีวิต " รูปแบบเกิดขึ้นตลอด เคี้ยว งานแต่เขาโดยเฉพาะอย่างยิ่งมุ่งเน้นใน mid-1890s ในสภาพร่าง , ภาพวาด , ดินสอและพิมพ์ เขาแตะระดับความลึกของความรู้สึกของเขาเพื่อศึกษาลวดลาย สาขา : ขั้นตอนของชีวิต , Femme Fatale , ความสิ้นหวังของความรัก ความห่วงใยนอกใจ , ความริษยาทางเพศความอัปยศอดสูและมลทินในชีวิตและความตาย [ 50 ] รูปแบบเหล่านี้จะถูกแสดงในรูป เช่น เด็กที่ป่วย ( 1885 ) , ความรักและความเจ็บปวด ( retitled แวมไพร์ ; 1893 – 94 ) ขี้เถ้า ( 1894 ) และสะพาน หลังพบร่างปวกเปียกกับใบหน้าซึ่งไม่น่าสนใจหรือซ่อนอยู่ ซึ่งรูปทรงของต้นไม้กี่คุกคามหนัก และทำบ้านแทะเล็ม ภาพผู้หญิงที่อ่อนแอ , ผู้ไร้เดียงสา ( เห็นวัยรุ่น ความรัก และความเจ็บปวด หรือเป็นเพราะ ยอดปรารถนา ความอิจฉาริษยา และความสิ้นหวัง ( ดูแยก ความริษยา และขี้เถ้า )

อาหารมักจะใช้เงาและแหวนสีรอบร่างเน้นกลิ่นอายของความกลัว ความวิตกกังวล หรือความคุกคาม ทางเพศ[ 51 ] ภาพวาดเหล่านี้ได้ถูกตีความว่าเป็นภาพสะท้อนของศิลปินทางเพศ anxieties แม้ว่ามันอาจจะแย้งว่าพวกเขาเป็นตัวแทนปั่นป่วนความสัมพันธ์ของเขากับความรักตัวเอง และมองโลกในแง่ร้ายเกี่ยวกับการดำรงอยู่ของมนุษย์ทั่วไปของเขา [ 52 ] หลายร่างเหล่านี้และภาพวาดที่ทำหลายรุ่น เช่น มาดอนน่า , มือและวัยรุ่นและยังถ่ายทอด เช่น บล็อกไม้พิมพ์ และด้วย . แทะเล็มเกลียดส่วนหนึ่งกับภาพวาดของเขาเพราะเขาคิดว่างานของเขาเป็นร่างกายเดียวของการแสดงออก ดังนั้น เพื่อประโยชน์ในการผลิตและสร้างรายได้บางส่วน เขาหันไปศิลป์การทำซ้ำหลายภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขา รวมทั้งผู้ที่อยู่ในชุดนี้[ 53 ] แทะเล็มยอมรับกับเป้าหมายส่วนบุคคลของงานของเขา แต่เขายังเสนอศิลปะของเขาเพื่อวัตถุประสงค์กว้างเป็น " ศิลปะของผมเป็นการสารภาพโดยสมัครใจ และพยายามอธิบายให้ตัวเอง ความสัมพันธ์ของผมกับ ชีวิต มัน ดังนั้น จริงๆ แล้วการจัดเรียงของพวกพ้อง แต่ฉันตลอดเวลา หวังว่าผ่านนี้ผมสามารถช่วย ผู้อื่นให้บรรลุความชัดเจน " [ 54 ]

ในขณะที่ดึงดูดขอลบปฏิกิริยาในคริสต์ทศวรรษ 1870 ง่ำเริ่มได้รับความเข้าใจบางเป้าหมายทางศิลปะของเขาเป็นหนึ่งในนักวิจารณ์เขียน " หมิ่นประมาทหยาบคายสำหรับรูปแบบ , ความชัดเจน , สง่างาม , ความสมบูรณ์และสมจริง , เขาสีที่มีความแข็งแรงใช้งานง่ายบอบบางที่สุดของความสามารถ วิสัยทัศน์ ของวิญญาณ " [ 55 ] หนึ่งในผู้สนับสนุนที่ดีของเขาในเบอร์ลินเป็น rathenau วอลเตอร์ หลังจากนั้น รัฐมนตรีต่างประเทศของเยอรมัน ที่ขอสนับสนุนความสำเร็จของเขา