In 1927 Fontana returned to Italy a

In 1927 Fontana returned to Italy and studied under the sculptor Adolfo Wildt,[5] at Accademia di Brera from 1928 to 1930. It was there where he presented his first exhibition in 1930, organized by the Milano art gallery Il Milione. During the following decade he journeyed Italy and France, working with abstract and expressionist painters. In 1935 he joined the association Abstraction-Création in Paris and from 1936 to 1949 made expressionnist sculptures in ceramic and bronze. In 1939, he joined the Corrente, a Milan group of expressionist artists.[4]

In 1940 he returned to Argentina. In Buenos Aires (1946) he founded the Altamira academy together with some of his students, and made public the White Manifesto, where it is stated that "Matter, colour and sound in motion are the phenomena whose simultaneous development makes up the new art". In the text, which Fontana did not sign but to which he actively contributed, he began to formulate the theories that he was to expand as Spazialismo, or Spatialism, in five manifestos from 1947 to 1952.[6] Upon his return from Argentina in 1947, he supported, along with writers and philosophers, the first manifesto of spatialism (Spazialismo)**. Fontana had found his studio and works completely destroyed in the Allied bombings of Milan,[7] but soon also resumed his ceramics works in Albisola. In Milan, he collaborated with noted Milanese architects to decorate several new buildings that were part of the effort to reconstruct the city after the war.[8]

Following his return to Italy in 1948 Fontana exhibited his first Ambiente spaziale a luce nera (Spatial Environment) (1949) at the Galleria del Naviglio in Milan, a temporary installation consisting of a giant amoeba-like shape suspended in the void in a darkened room and lit by neon light. From 1949 on he started the so-called Spatial Concept or slash series, consisting in holes or slashes on the surface of monochrome paintings, drawing a sign of what he named "an art for the Space Age". He devised the generic title Concetto spaziale (‘spatial concept’) for these works and used it for almost all his later paintings. These can be divided into broad categories: the Buchi (‘holes’), beginning in 1949, and the Tagli (‘slashes’), which he instituted in the mid-1950s.[9]

Fontana often lined the reverse of his canvases with black gauze so that the darkness would shimmer behind the open cuts and create a mysterious sense of illusion and depth.[10] He then created an elaborate neon ceiling called "Luce spaziale" in 1951 for the Triennale in Milan.[11][12] In his important series of Concetto spaziale, La Fine di Dio (1963–64), Fontana uses the egg shape. With his Pietre (stones) series, begun in 1952, Fontana fused the sculptural with painting by encrusting the surfaces of his canvases with heavy impasto and colored glass. In his Buchi (holes) cycle, begun in 1949-50, he punctured the surface of his canvases, breaking the membrane of two-dimensionality in order to highlight the space behind the picture.[13] From 1958 he purified his paintings by creating matte, monochrome surfaces, thus focusing the viewer’s attention on the slices that rend the skin of the canvas.[14] In 1959 Fontana exhibited cut-off paintings with multiple combinable elements (he named the sets quanta), and began Nature, a series of sculptures made by cutting a gash across a sphere of terracotta clay, which he subsequently cast in bronze.[15]

Fontana engaged in many collaborative projects with the most important architects of the day, in particular with Luciano Baldessari, who shared and supported his research for Spatial Light – Structure in Neon (1951) at the 9th Triennale and, among other things, commissioned him to design the ceiling of the cinema in the Sidercomit Pavilion at the 21st Milan Fair in 1953.[16]

Around 1960, Fontana began to reinvent the cuts and punctures that had characterized his highly personal style up to that point, covering canvases with layers of thick oil paint applied by hand and brush and using a scalpel or Stanley knife to create great fissures in their surface. In 1961, following an invitation to participate along with artists Jean Dubuffet, Mark Rothko, Sam Francis, and others in an exhibition of contemporary painting entitled "Art and Contemplation", held at Palazzo Grassi in Venice, he created a series of 22 works dedicated to the lagoon city. He manipulated the paint with his fingers and various instruments to make furrows, sometimes including scattered fragments of Murano glass.[4] Fontana was subsequently invited by Michel Tapié to exhibit the works at the Martha Jackson Gallery in New York. As a consequence of his first visit to New York in 1961, he created a series of metal works, done between 1961 and 1965.[17] The works consisted of large sheets of shiny and scratched copper, pierced and gouged, cut through by dramatic vertical gestures that recall the force of New York construction and the metal and glass of the buildings.[4]

Among Fontana’s last works are a series of Teatrini (‘little theatres’), in which he returned to an essentially flat idiom by using backcloths enclosed within wings resembling a frame; the reference to theatre emphasizes the act of looking, while in the foreground a series of irregular spheres or oscillating, wavy silhouettes creates a lively shadow play.[9] Another work from that time, Trinità (Trinity) (1966), consists of three large white canvases punctuated by lines of holes, embraced in a theatrical setting made from ultramarine plastic sheets vaguely resembling wings.[7]

In the last years of his career, Fontana became increasingly interested in the staging of his work in the many exhibitions that honored him worldwide, as well as in the idea of purity achieved in his last white canvases. These concerns were prominent at the 1966 Venice Biennale, for which he designed the environment for his work.[13] At Documenta IV in Kassel in 1968, he positioned a large, plaster slash as the centre of a totally white labyrinth, including ceiling and floor (Ambiente spaziale bianco).[18][19]

Shortly before his death he was present at the "Destruction Art, Destroy to Create" demonstration at the Finch College Museum of New York. Then he left his home in Milano and went to Comabbio (in the province of Varese, Italy), his family's mother town, where he died in 1968.

Fontana created a prolific amount of graphic work with abstract motifs as well as figures, little-known in the art world, at the same time as he was producing his abstract perforated works.[20] He was also the sculptor of the bust of Ovidio Lagos, founder of the La Capital newspaper, in Carrara marble.

ผลลัพธ์ (ไทย) 1:

ใน 1927 ฟอนทานากลับไปอิตาลี และศึกษาภายใต้ประติมากร Adolfo Wildt, [5] ที่แอคคาเดเมีย di Brera จาก 1928 ถึง 1930 มีที่เขานำเสนอนิทรรศการแรกของเขาใน 1930 จัด โดยหอศิลป์มิลาโนเป็น Il Milione ในช่วงทศวรรษต่อไปนี้ เขาอาจารย์อิตาลีและฝรั่งเศส การทำงานกับนามธรรม และ expressionist ชื่อจิตรกร ในปี 1935 เขาร่วมสมาคม Abstraction Création ในปารีส และ จากค.ศ. 1936 เพื่อ expressionnist 1949 ทำประติมากรรมเซรามิกและทองแดง ในปีพ.ศ. 2482 เขาร่วม Corrente กลุ่มศิลปิน expressionist มิลาน [4]ใน 1940 เขากลับสู่อาร์เจนตินา ในบัวโนสไอเรส (1946) ก่อตั้งสถาบันอัลตามีรากับบางส่วนของนักเรียนของเขา และประกาศขาว ที่สาธารณชนระบุที่ "เรื่อง สี และเสียงในการเคลื่อนไหวเป็นปรากฏการณ์ที่ทำให้พัฒนาที่เกิดขึ้นใหม่ศิลปะ" ในข้อความ ซึ่งไม่ได้ลงฟอนทานา แต่ที่เขากำลังส่วน เขาเริ่มการกำหนดทฤษฎีที่จะขยายใน manifestos ห้าจาก 1947 ถึง 1952 เป็น Spazialismo, Spatialism [6] เมื่อกลับมาจากอาร์เจนตินาใน เขาได้รับการสนับสนุน นักเขียนและนักปรัชญา ประกาศแรกของ spatialism (Spazialismo) ** การ ฟอนทานาได้พบสตูดิโอของเขา และผลงานทั้งหมดถูกทำลายจากเหตุระเบิดที่ฝ่ายสัมพันธมิตรของมิลาน, [7] แต่เร็ว ๆ นี้ยัง ดำเนินต่อผลงานเซรามิกส์ใน Albisola ในมิลาน เขาร่วมมือกับตามของสถาปนิกในการตกแต่งอาคารใหม่หลายที่ส่วนหนึ่งของความพยายามในการสร้างเมืองใหม่หลังสงคราม [8]ต่อไปนี้ของเขากลับไปยังอิตาลีใน 1948 ฟอนทานาจัดแสดงเขา spaziale ดิกแอมเบียนแรกนีระลู (พื้นที่สภาพแวดล้อม) (1949) ที่ Naviglio เดลแกลเลอเรียในมิลาน การติดตั้งชั่วคราวที่ประกอบด้วยรูปร่างคล้ายอะมีบายักษ์ถูกระงับในโมฆะในห้องภาพที่มืดลง และสว่าง โดยแสงนีออน จาก 1949 บน เขาเริ่มเรียกว่าแนวคิดของปริภูมิหรือทับชุด ประกอบด้วยหลุมหรือเครื่องหมายทับบนพื้นผิวของภาพขาวดำ วาดภาพเครื่องหมายของสิ่งที่เขาชื่อ "ศิลปะในยุคอวกาศ" เขากำหนดชื่อทั่วไป Concetto spaziale ('พื้นที่แนวคิด') สำหรับงานเหล่านี้ และใช้สำหรับภาพวาดเกือบทั้งหมดของเขาในภายหลัง เหล่านี้สามารถแบ่งเป็นประเภทอย่างกว้าง ๆ: Buchi ('หลุม'), เริ่มต้นใน 1949 และแทคกิ ('เครื่องหมายทับ"), ซึ่งเขาโลกในมิได้ [9]ฟอนทานาเรียงย้อนกลับของผืนผ้าใบของเขาด้วยผ้าสีดำมักจะให้ความมืด shimmer หลังตัดเปิด และสร้างความรู้สึกลึกลับของภาพลวงตาและความลึก [10] เขาแล้วสร้างเพดานนีออนอย่างประณีตที่เรียกว่า "ลู spaziale" ใน 1951 สำหรับ Triennale ในมิลาน [11] [12] ในชุดของเขาสำคัญของ Concetto spaziale ลาดี di Dio (1963-64), ฟอนทานาใช้รูปทรงไข่ ด้วยชุด Pietre (หิน) ของเขา เริ่มใน 1952 ฟอนทานา fused รูป มีภาพวาด โดยพื้นผิวของผืนผ้าใบของเขาด้วย impasto หนักและกระจกสีของเครื่อง ในวงจรของเขา Buchi (หลุม) เริ่มใน 1949-50 เขา punctured พื้นผิวของผืนผ้าใบของเขา ทำลายเยื่อของ two-dimensionality เพื่อเน้นพื้นที่ว่างหลังรูปภาพ [13] จาก 1958 เขาบริสุทธิ์ภาพวาดของเขา โดยการสร้างพื้นผิวเคลือบ ขาวดำ จึง เน้นความสนใจของตัวแสดงชิ้นที่ rend ผิวของผ้าใบ [14] ใน 1959 ฟอนทานาจัดแสดงภาพวาดตัด มีหลายสามารถใช้ร่วมโปรโมชั่นองค์ประกอบ (เขาชื่อ quanta ชุด), และธรรมชาติ ชุดหนึ่งโดยตัด gash ที่ผ่านทรงกลมของแหล่งดิน ซึ่งเขาต่อมาเพี้ยนในทองแดง [15]ฟอนทานาเข้าร่วมในหลายโครงการร่วมกับสถาปนิกที่สำคัญที่สุดของวัน โดยเฉพาะอย่างยิ่งกับลูเชียนโนแบร์ Baldessari ที่ใช้ร่วมกัน และสนับสนุนการวิจัยของเขาสำหรับพื้นที่แสง – โครงสร้างนีออน (1951) Triennale 9 และ ต่าง ๆ มอบหมายอำนาจหน้าที่ให้เขาออกแบบเพดานของโรงภาพยนตร์ในศาลา Sidercomit ที่ 21 มิลานแฟร์ในปีค.ศ. 1953 [16]ประมาณ 1960 ฟอนทานาเริ่มกลับตัดและ punctures ที่มีลักษณะของลักษณะส่วนบุคคลสูงถึงที่จุด ครอบคลุมผืนผ้ากับชั้นของสีน้ำมันหนาที่ใช้ด้วยมือและแปรง และใช้ scalpel หรือมีดสแตนลีย์สร้าง fissures มากในผิวของพวกเขา ใน 1961 ต่อการเชิญให้เข้าร่วมกับศิลปิน Jean Dubuffet, Rothko หมาย Francis Sam และอื่น ๆ ในการแสดงนิทรรศการจิตรกรรมร่วมสมัยได้รับ "ศิลปะและสื่อ" ณพาลาซโซ Grassi ในเวนิส เขาสร้างชุดงานที่ 22 การซิตี้ลากูน เขาจัดการสี ด้วยนิ้วมือของเขาและเครื่องมือต่าง ๆ เพื่อให้ furrows บางครั้งรวมถึงกระจายชิ้นส่วนของแก้ว Murano [4] ในเวลาต่อมาฟอนทานาถูกเชิญ โดย Michel Tapié แสดงงานในแกลเลอรี Jackson มาร์ธาในนิวยอร์ก เป็นลำดับของพระองค์แรกไปยังนิวยอร์กใน 1961 เขาสร้างชุดของงานโลหะ ทำระหว่าง 1961 และ 1965 [17] ทำงานประกอบด้วยแผ่นทองแดงเงา และรอยใหญ่ pierced และ gouged ตัดผ่าน โดยละครท่าทางแนวตั้งที่เรียกคืนทัพนิวยอร์กก่อสร้างโลหะ และกระจกของอาคาร [4]ผลงานล่าสุดของฟอนทานาหมู่ชุดของ Teatrini ('น้อยละคร'), ซึ่งเขากลับไปสำ.แบนหลักโดยอยู่ในเครื่องหมายปีกคล้ายเฟรม backcloths การละครเน้นการกระทำของการมอง ขณะในเบื้องหน้า ของทรงกลมไม่สม่ำเสมอหรือสั่นได้ หยัก silhouettes สร้างการเล่นเงามีชีวิตชีวา [9] อีกงาน Trinità (ทรินิตี้) เวลา (1966) ประกอบด้วยสามขนาดใหญ่สีขาวผืนผ้า punctuated โดยเส้นปรุ กอดในละครจากแผ่นพลาสติกสีกรมท่าคลับคล้ายปีก [7]ในปีสุดท้ายของอาชีพของเขา ฟอนทานากลายเป็นมากขึ้นสนใจในการแบ่งระยะของการทำงานของเขา ในนิทรรศการมากมายที่เขายกย่องทั่วโลก รวม ทั้ง ในความคิดของความบริสุทธิ์ของผืนผ้าใบสีขาวล่าสุดที่ทำได้ ความกังวลเหล่านี้มีจุดเด่นที่ Biennale เว 1966 ที่เขาออกแบบสภาพแวดล้อมในงานของเขา [13] ที่ IV Documenta ในคัสเซิลใน 1968 เขาวางขนาดใหญ่ ปูนทับเป็นศูนย์กลางของเขาวงกตสีขาวทั้งหมด รวมทั้งเพดานและพื้น (ดิกแอมเบียน spaziale bianco) [18] [19]ช้าก่อนตาย เขาได้อยู่ในการ "ทำลายศิลปะ ทำลายเพื่อสร้าง" สาธิตที่เรซิเดนซี่วิทยาลัยพิพิธภัณฑ์ของนิวยอร์ค แล้วเขาออกจากบ้านของเขาในมิลาโน และไป Comabbio (ในตัวจังหวัดของ Varese อิตาลี), เมืองแม่ของครอบครัวของเขา ซึ่งเขาเสียชีวิตในปี 2511ฟอนทานาสร้างจำนวนงานลูกความนามธรรมเป็นตัวเลข รู้จักกันน้อยในโลกศิลปะ ในเวลาเดียวกันกับเขาได้ผลิตผลงาน perforated นามธรรม [20] เขายังเป็นประติมากรของหน้าอกของ Ovidio ลากอส ผู้ก่อตั้งหนังสือพิมพ์ลาหลวง หินอ่อนคาร์

ผลลัพธ์ (ไทย) 2:

ในปี 1927 ตานากลับไปอิตาลีและศึกษาภายใต้ประติมากรดอลโฟ Wildt [5] ที่ Accademia di Brera 1928 1930 มันอยู่ที่นั่นที่เขานำเสนอนิทรรศการครั้งแรกของเขาในปี 1930 จัดโดยหอศิลป์ Il Milione Milano ในช่วงทศวรรษที่ต่อไปนี้เขาเดินทางไปอิตาลีและฝรั่งเศสซึ่งทำงานร่วมกับจิตรกรนามธรรมและศิลปะ ในปี 1935 เขาได้เข้าร่วมสมาคมนามธรรมสร้างในปารีสและ 1936-1949 ทำประติมากรรม expressionnist ในเซรามิกและสีบรอนซ์ ในปี 1939 เขาได้เข้าร่วม Corrente กลุ่มมิลานศิลปะของศิลปิน. [4] ใน 1940 เขากลับไปยังอาร์เจนตินา ในบัวโนสไอเรส (1946) เขาก่อตั้งสถาบันการศึกษา Altamira ร่วมกับบางส่วนของนักเรียนของเขาและทำให้ประชาชนประกาศสีขาวซึ่งจะมีการระบุไว้ว่า "เรื่องสีและเสียงในการเคลื่อนไหวเป็นปรากฏการณ์ที่มีการพัฒนาพร้อมกันทำให้ขึ้นศิลปะใหม่" . ในข้อความที่ตานาไม่ได้ลงนาม แต่ที่เขามีส่วนอย่างแข็งขันเขาเริ่มที่จะกำหนดทฤษฎีที่ว่าเขาจะขยายเป็น Spazialismo หรือ Spatialism ในห้า manifestos จาก 1947 ไป 1952 [6] เมื่อเขากลับมาจากอาร์เจนตินา 1947 เขาได้รับการสนับสนุนพร้อมกับนักเขียนและนักปรัชญาแถลงการณ์แรกของ spatialism (Spazialismo) ** ตานาได้พบในสตูดิโอของเขาและการทำงานที่ถูกทำลายอย่างสมบูรณ์ในระเบิดพันธมิตรมิลาน [7] แต่เร็ว ๆ นี้กลับยังเซรามิกของเขาทำงานใน Albisola ในมิลานเขาร่วมมือกับตั้งข้อสังเกตสถาปนิก Milanese ในการตกแต่งอาคารใหม่หลายอย่างที่เป็นส่วนหนึ่งของความพยายามที่จะสร้างเมืองหลังจากสงคราม. [8] หลังจากที่เขากลับไปอิตาลีในปี 1948 Fontana แสดง Ambiente ครั้งแรกของเขา Spaziale luce Nera (Spatial สิ่งแวดล้อม ) (1949) ที่แกลเลอเรียเดล Naviglio ในมิลาน, การติดตั้งชั่วคราวประกอบด้วยยักษ์รูปร่างอะมีบาเหมือนลอยอยู่ในความว่างเปล่าในห้องมืดและสว่างด้วยแสงนีออน จาก 1949 เขาเริ่มต้นในสิ่งที่เรียกว่าแนวความคิดเชิงพื้นที่หรือชุดเฉือนประกอบด้วยในรูหรือขีดบนพื้นผิวของภาพวาดขาวดำ, การวาดภาพเป็นสัญลักษณ์ของสิ่งที่เขาตั้งชื่อว่า "ศิลปะสำหรับยุคอวกาศ" เขาวางแผนเรื่องทั่วไป Concetto Spaziale ('แนวคิดเชิงพื้นที่') สำหรับผลงานเหล่านี้และใช้มันเกือบทุกภาพวาดของเขาในภายหลัง เหล่านี้สามารถแบ่งออกเป็นประเภทใหญ่คือ Buchi (หลุม) เริ่มต้นในปี 1949 และ Tagli (ทับ) ซึ่งเขาก่อตั้งในช่วงกลางทศวรรษ 1950- [9]. ตานามักจะเรียงรายไปกลับของผืนผ้าของเขาด้วย ผ้าโปร่งสีดำเพื่อให้ความมืดจะระยับที่อยู่เบื้องหลังการตัดเปิดและสร้างความรู้สึกที่ลึกลับของภาพลวงตาและความลึก. [10] จากนั้นเขาก็สร้างเพดานนีออนซับซ้อนที่เรียกว่า "ลูซ Spaziale" ในปี 1951 สำหรับ Triennale ในมิลาน. [11] [12 ] ในซีรีส์ที่สำคัญของเขา Concetto Spaziale ลาดีดิดิโอ (1963-1964) Fontana ใช้รูปทรงไข่ ด้วย Pietre ของเขา (หิน) ชุดเริ่มต้นในปี 1952 ตานาผสมกับภาพวาดประติมากรรมโดย encrusting พื้นผิวของภาพของเขากับ impasto หนักและกระจกสี ใน Buchi ของเขา (หลุม) วงจรเริ่มต้นใน 1949-50 เขาเจาะพื้นผิวของภาพของเขาที่ทำลายเยื่อหุ้มเซลล์ของทั้งสองมิติเพื่อเน้นพื้นที่ที่อยู่เบื้องหลังภาพ. [13] จาก 1958 เขาบริสุทธิ์ภาพวาดของเขาโดยการสร้าง เคลือบผิวขาวดำจึงมุ่งเน้นความสนใจของผู้ชมในชิ้นที่ฉีกผิวของผ้าใบ. [14] ในปี 1959 ตานาการจัดแสดงภาพวาดตัดกับองค์ประกอบร่วมหลาย (เขาชื่อควอนตั้มชุด) และเริ่มธรรมชาติ, ชุด ประติมากรรมที่ทำโดยการตัดบั่นข้ามขอบเขตของดินเหนียวดินเผาซึ่งเขาหล่อในภายหลังบรอนซ์. [15] Fontana มีส่วนร่วมในโครงการความร่วมมือจำนวนมากที่มีสถาปนิกที่สำคัญที่สุดของวันโดยเฉพาะอย่างยิ่งกับลูเซียโน Baldessari ที่ใช้ร่วมกันและได้รับการสนับสนุนของเขา การวิจัยเชิงพื้นที่แสง - โครงสร้างในนีออน (1951) ที่ Triennale 9 และเหนือสิ่งอื่นใดนายเขาในการออกแบบเพดานของโรงภาพยนตร์ในที่ Sidercomit พาวิลเลี่ยนที่ 21 มิลาน Fair ในปี 1953 [16] 1960 รอบตานาเริ่ม ที่จะบูรณาการตัดและการเจาะเลือดที่มีลักษณะรูปแบบส่วนบุคคลอย่างมากของเขาขึ้นไปยังจุดที่ครอบคลุมผืนผ้าใบด้วยชั้นของสีน้ำมันหนานำมาใช้ด้วยมือและแปรงและการใช้มีดผ่าตัดหรือมีดสแตนเลย์การสร้างรอยแยกที่ดีในพื้นผิว ในปี 1961 ตามคำเชิญที่จะเข้าร่วมพร้อมกับศิลปินฌอง Dubuffet มาร์ค Rothko แซมฟรานซิสและอื่น ๆ ในนิทรรศการจิตรกรรมร่วมสมัยเรื่อง "ศิลปะและสมาธิ" ซึ่งจัดขึ้นใน Palazzo Grassi ในเวนิซเขาสร้างชุดของ 22 ผลงานที่ทุ่มเท ไปยังเมืองลากูน เขาจัดการสีด้วยมือและเครื่องมือต่าง ๆ ของเขาที่จะทำให้ร่องบางครั้งรวมถึงชิ้นส่วนที่กระจัดกระจายของแก้วมูราโน่. [4] ตานาได้รับเชิญในภายหลังโดยมิเชลTapiéเพื่อแสดงผลงานที่แจ็คสันมาร์ธาแกลลอรี่ในนิวยอร์ก เป็นผลมาจากครั้งแรกที่เขาไปนิวยอร์กในปี 1961 เขาสร้างชุดของงานโลหะ, ทำระหว่าง 1961 และ 1965 [17] ผลงานประกอบด้วยแผ่นใหญ่ทองแดงเงางามและรอยขีดข่วนและควักเจาะตัดผ่านอย่างมาก ท่าทางแนวตั้งที่จำแรงของการก่อสร้างนิวยอร์กและโลหะและกระจกของอาคาร. [4] ในบรรดาผลงานที่ผ่านมาตานาเป็นชุดของ Teatrini (โรงละครเล็ก ๆ น้อย ๆ ) ในการที่เขากลับไปสำนวนแบนเป็นหลักโดยใช้ backcloths ปิดล้อมอยู่ในปีกคล้ายกรอบ; อ้างอิงถึงโรงละครที่เน้นการกระทำของการมองในขณะที่ในเบื้องหน้าชุดของทรงกลมผิดปกติหรือสั่นเงาหยักสร้างหนังตะลุงที่มีชีวิตชีวา. [9] การทำงานจากนั้นเวลาอีกTrinità (ทรีนีตี้) (1966) ประกอบด้วยสาม ผืนผ้าสีขาวขนาดใหญ่คั่นด้วยเส้นของหลุมกอดในการตั้งค่าการแสดงละครที่ทำจากแผ่นพลาสติกสีฟ้าเข้มรางคล้ายปีก. [7] ในปีสุดท้ายของอาชีพของเขา, Fontana กลายเป็นที่สนใจมากขึ้นในการแสดงละครของการทำงานของเขาในการจัดนิทรรศการจำนวนมากที่ได้รับเกียรติ เขาทั่วโลกเช่นเดียวกับในความคิดของความบริสุทธิ์สำเร็จในผืนผ้าสีขาวของเขาที่ผ่านมา ความกังวลเหล่านี้เป็นที่โดดเด่นที่ 1966 Venice Biennale ซึ่งเขาได้รับการออกแบบสภาพแวดล้อมสำหรับการทำงานของเขา. [13] ใน Documenta IV ในคาสเซิลในปี 1968 เขาอยู่ในตำแหน่งที่มีขนาดใหญ่เฉือนปูนปลาสเตอร์เป็นศูนย์กลางของเขาวงกตทั้งหมดสีขาวรวมทั้งเพดานและ ชั้น (Ambiente Spaziale บล็องก์). [18] [19] ไม่นานก่อนที่เขาจะเสียชีวิตเขาอยู่ที่ "ศิลปะการทำลายทำลายการสร้าง" สาธิตที่พิพิธภัณฑ์วิทยาลัยกระจอกนิวยอร์ก จากนั้นเขาก็ออกจากบ้านของเขาใน Milano และไป Comabbio (ในจังหวัด Varese, อิตาลี) เมืองแม่ของครอบครัวของเขาที่เขาเสียชีวิตในปี 1968 ตานาที่สร้างขึ้นเป็นจำนวนเงินที่อุดมสมบูรณ์ของการทำงานของกราฟิกที่มีลวดลายที่เป็นนามธรรมเช่นเดียวกับตัวเลขที่ไม่ค่อย ที่รู้จักกันในโลกศิลปะในเวลาเดียวกันขณะที่เขากำลังการผลิตผลงานของเขาที่เป็นนามธรรมพรุน. [20] เขายังเป็นประติมากรของหน้าอกของ Ovidio ลากอสผู้ก่อตั้งหนังสือพิมพ์ลาทุนใน Carrara หินอ่อน

ผลลัพธ์ (ไทย) 3:

1927 Fontana กลับไปอิตาลี และศึกษาภายใต้ประติมากร Adolfo wildt [ 5 ] ที่ Accademia di บรีร่าจาก 2471 ถึง 1930 ที่นั่น ที่เขานำเสนอนิทรรศการครั้งแรกของเขาในปี 1930 , จัดโดย มิลาน หอศิลป์ อิล milione . ในทศวรรษต่อไปนี้เขาเดินทางอิตาลีและฝรั่งเศส , ทำงานกับนามธรรมและศิลปะจิตรกรในปี 1935 เขาได้เข้าร่วมสมาคม cr é ation นามธรรมในปารีสและจาก 1936 2492 ทำให้ expressionnist ประติมากรรมเซรามิกและทองเหลือง ในปี 1939 , เขาเป็นคอร์เรนเต , มิลาน กลุ่มศิลปะศิลปิน [ 4 ]

ในปี 1940 เขากลับไปอาร์เจนตินา ในบัวโนสไอเรส ( 1946 ) เขาได้ก่อตั้งโรงเรียน Altamira ร่วมกับบางส่วนของนักเรียนของเขาและเผยแพร่แถลงการณ์สีขาวที่ระบุว่า " เรื่อง สี และเสียง ในการเคลื่อนไหวเป็นปรากฏการณ์ที่มีการพัฒนาขึ้นพร้อมกันทำให้ศิลปะใหม่ " ในข้อความที่ Fontana ไม่ได้ลงนาม แต่การที่เขามีส่วนร่วมอย่างแข็งขัน เขาเริ่มที่จะสร้างทฤษฎีที่เขาจะขยายเป็น spazialismo หรือ spatialism ในห้าแถลงการณ์จาก 1947 1944 [ 6 ] เมื่อเขากลับมาจากอาร์เจนติน่าใน 1947 เขาสนับสนุนพร้อมกับนักเขียนและนักปรัชญา แถลงการณ์ครั้งแรกของ spatialism ( spazialismo ) * * Fontana มี พบ สตูดิโอ และงานของเขาทำลายในฝ่ายสัมพันธมิตรทิ้งระเบิดของมิลาน , [ 7 ] แต่ไม่นานก็กลับมาในผลงานของเขา เซรามิค albisola . ในมิลาน เขาร่วมมือกับสถาปนิกตกแต่งไว้แบบมิลานหลายอาคารใหม่ที่เป็นส่วนหนึ่งของความพยายามที่จะสร้างเมืองหลังสงคราม[ 8 ]

ต่อไปนี้ของเขากลับไปอิตาลีในปี 1948 Fontana มีแรกของเขาที่ Ambiente spaziale เป็นลูซเนรา ( สิ่งแวดล้อมเชิงพื้นที่ ) ( 1949 ) ที่ Galleria del นาวีลีโอในมิลาน , การติดตั้งชั่วคราวที่ประกอบด้วยอะมีบายักษ์เช่นรูปร่างระงับในความว่างเปล่าในห้องที่มืดมิด และสว่างด้วยแสงนีออน . จาก 2492 ในเขาเริ่มที่เรียกว่า เชิงแนวคิด หรือฟันชุดที่ประกอบไปด้วยหลุมหรือ slashes บนพื้นผิวของภาพวาดขาวดำวาดเป็นสัญลักษณ์ว่าเขาชื่อ " ศิลปะในยุค " พื้นที่ เขาวางแผนทั่วไป ชื่อเรื่อง concetto spaziale ( แนวคิด ' 'spatial ) สำหรับงานเหล่านี้และใช้มันเกือบทั้งหมดของเขาในภายหลังภาพวาด เหล่านี้สามารถแบ่งออกเป็นประเภทกว้าง : บูชิ ( 'holes ' ) เริ่มต้นในปี 1949 และ tagli ( 'slashes ' )ที่เขาก่อตั้งใน - [ 9 ]

ฟอนมักเรียงรายกลับของเขาผ้าใบด้วยตาข่ายสีดำเพื่อให้ความมืดจะชิมเมอร์ หลังเปิดแผล สร้างความรู้สึกลึกลับของมายาและความลึก [ 10 ] เขาสร้างแล้วเพดานนีออนซับซ้อนที่เรียกว่า " ลูซ spaziale " 1951 ในที่ต่างๆใน มิลาน . [ 11 ] [ 12 ] ในชุดสำคัญของ spaziale concetto ,ลา ดี ดิ ดิโอ ( 1963 – 64 ) , ฟอนตาน่าใช้ไข่รูปร่าง กับถูกเขา ( หิน ) ชุด เริ่มในปี 1952 , น้ำพุประติมากรรมหลอมรวมกับภาพวาดโดย encrusting พื้นผิวของผืนผ้าใบของเขากับ impasto หนักและสีแก้ว ใน บูชิ ( หลุม ) รอบ เริ่มขึ้นใน 1949-50 เขาเจาะพื้นผิวของผืนผ้าใบของเขาการแบ่งชนิดของทั้งสอง dimensionality เพื่อเน้นพื้นที่ข้างหลังภาพ . [ 13 ] จาก 1958 เขาบริสุทธิ์ ภาพวาดของเขา โดยการสร้างเคลือบพื้นผิวขาว จึงเน้นความสนใจของผู้ชมในชิ้นที่ฉีกผิวหนังของผ้าใบ [ 14 ] ใน 1959 Fontana จัดแสดงภาพวาดตัดกับองค์ประกอบหลาย combinable ( เขา ชื่อชุด Quanta ) และเริ่มธรรมชาติชุดของประติมากรรมที่ทำโดยการตัดแผลในทรงกลมของดินเผา ดินเหนียว ซึ่งต่อมาเขาหล่อด้วยทองสัมฤทธิ์ [ 15 ]

ใส่ร่วมในความร่วมมือกับหลายโครงการที่สำคัญที่สุด สถาปนิกของวัน , โดยเฉพาะอย่างยิ่งกับลูเซีย Baldessari ผู้ที่ใช้ร่วมกันและการสนับสนุนการวิจัยของเขาสำหรับพื้นที่และโครงสร้างในแสงนีออน ( 1951 ) ต่างๆที่ 9 และในสิ่งอื่น ๆมอบหมายให้เขาออกแบบเพดานโรงหนังใน sidercomit ศาลาที่ 21 มิลานแฟร์ใน 2496 [ 16 ]

รอบ 1960 ฟอนเริ่มที่จะพลิกโฉมการตัดและเจาะ มีลักษณะ ลักษณะส่วนบุคคลสูงของเขาถึงจุดนั้นครอบคลุมผ้าใบน้ำมันหนาที่มีชั้นของสีที่ใช้ โดยมือ และแปรง และใช้มีดผ่าตัดหรือ สแตนลี่ย์ มีดสร้าง fissures อย่างมากในผิวของพวกเขา ในปี 1961 ตามคำเชิญเข้าร่วมพร้อมกับศิลปินจีน dubuffet มาร์ค รอธโก แซม ฟรานซิส และคนอื่น ๆในนิทรรศการจิตรกรรมร่วมสมัย เรื่อง " ศิลปะและการไตร่ตรอง " จัดขึ้นที่ Palazzo กราสซี่ในเวนิสเขาได้สร้างชุดของ 22 ทำงานทุ่มเทเพื่อทะเลสาบเมือง เขาเป็นคนจัดการวาดภาพด้วยนิ้วมือ หรือเครื่องมือต่าง ๆเพื่อให้ร่อง บางครั้งรวมถึงการกระจายชิ้นส่วนของ Murano แก้ว [ 4 ] Fontana ต่อมาได้เชิญโดย Michel ตาปี และจัดแสดงผลงานที่มาร์ธา แจ็คสัน แกลเลอรี่ ในนิวยอร์ก ผลที่ตามมาของของเขาครั้งแรกที่นิวยอร์กในปี 1961เขาได้สร้างชุดของงานโลหะที่ทำระหว่างปี 1961 และ 1965 [ 17 ] งานประกอบด้วยแผ่นใหญ่ของเงา และรอยขูดขีด ทองแดง เจาะ และถูกประณาม ตัดผ่าน โดยละครแนวตั้งท่าทางที่เรียกคืนพลังของการก่อสร้างนิวยอร์กและโลหะและกระจกของอาคาร [ 4 ]

ของฟอนของ ผลงานล่าสุดคือ ชุดของ teatrini ( 'little โรงละคร ' )