2. Early sound films.Concern for th

2. Early sound films.
Concern for the accurate synchronization of music and visual image increased during the 1920s. Devices designed to provide pre-set rhythmical cues to a conductor included Pierre de La Commune’s cinépupitre (used by Honegger) and Carl Robert Blum’s ‘rhythmonome’ (used in the staging of Krenek’s opera Jonny spielt auf in 1927). Gramophone recordings intended for synchronization with the projector were drawn from sound libraries, supplementing printed cue sheets for live music. In 1926 William Axt and David Mendoza composed a score for the Warner Brothers picture Don Juan, recorded by the New York PO on the Vitaphone disc system, and Warner’s commitment to disc-recorded soundtracks resulted in the first ‘talkie’: The Jazz Singer(1927), starring Al Jolson. The advent of the sound film brought with it the threat of unemployment for the many musicians who had established careers for themselves in cinema orchestras, and the novelty of the new medium temporarily put background scores out of fashion: music that appeared to emanate from the motion picture itself could be better justified if it were strictly diegetic in origin. In Hollywood, many early sound films included music only for opening and closing credits in addition to diegetic uses; as Max Steiner related, a violinist might be gratuitously included in the background of a love scene solely to justify the use of what would otherwise be invisible romantic underscoring.
An exception was the film musical, which grew out of the popularity of featured songs in dramatic films. The Broadway Melody (1929) and Sunny Side Up (1930) were among the first musicals composed specially for the screen, and within a few years choreographed routines had grown spectacular. Early highpoints were the work of Busby Berkeley (Gold Diggers of 1933), and Fred Astaire and Ginger Rogers, who filmed flamboyant interpretations of songs by Irving Berlin (Top Hat, 1935), Jerome Kern (Swing Time, 1936) and George Gershwin (Shall we Dance, 1937). After the success of The Wizard of Oz (1939), with songs by Harold Arlen and a score by Herbert Stothart, MGM produced lavish Technicolor musicals created by Vincente Minnelli and Gene Kelly, although examples specially written for the screen were rare after the mid-1950s when Broadway transfers became the norm.
The first sound films in Europe were Alfred Hitchcock’s Blackmail (1929), which was intially shot as a silent then partly remade to include a synchronized score, and René Clair’s Sous les toits de Paris (1929), both of which transferred the conventions of silent-cinema music more or less wholesale to the sound screen. More innovative were Milhaud’s score for Petite Lili (1929) and Georges Auric’s for Jean Cocteau’s Le sang d’un poète (1931). In Germany, early pioneers of a creative use of original diegetic music were Friedrich Hollaender and Karol Rathaus, who scored Der blaue Engel (1930) and The Brothers Karamazov (1931) respectively. Wolfgang Zeller contributed a substantial through-composed score to Carl Dreyer’s Vampyr in 1932. In the Soviet Union, early sound-film scores included Shostakovich’s Alone (1930) and Prokofiev’s Lieutenant Kijé (1933).
By the end of the 1920s new technology permitted sound to be recorded directly on to the celluloid strip carrying the visual image, and the Hollywood studios uniformly adopted the Western Electric process in 1930. Microphones were linked to either an oscillating lamp or a deflecting mirror in order to expose the soundtrack on film stock; during projection the soundtrack patterns were transformed into electric signals by a photo-electric cell. At first it was only possible for sound to be recorded simultaneously with the shooting of the visual image (with severe restrictions caused by inadequate microphones hidden on set and the need for the noisy cameras to be housed in sound-proof booths), but by the early 1930s sound could be dubbed after shooting, thereby opening up enormous creative potential. By the mid-1930s several tracks were available for the separate recording of dialogue, music and sound effects. Distortion was a serious problem when recording orchestral scores, and one reason why early soundtracks avoided complex textures and certain instruments; in Paris, the younger Adolphe Sax and Eric Sarnette developed special wind instruments with adjustable bells for studio recording, while Sarnette and Hanns Eisler abandoned string instruments. In the early 1930s the Germans Rudolph Pfenninger and Oscar Fischinger took the radical step of creating abstract musical tones with soundtrack patterns written by hand in an attempt to bypass the problems of recording fidelity and synchronization altogether, an experiment in ‘animated sound’ paralleled by inventors in the Soviet Union, England and elsewhere.
The potential for original extra-diegetic scores in dramatic pictures began to be realized in the USA as composers quickly developed a highly influential lingua franca of conventional orchestral film scoring. The idiom’s firm roots in 19th-century Romanticism were perpetuated by many immigrant European composers steeped in the styles of Wagner, Strauss and French Impressionism. The Hollywood studios featured highly active music departments, and at first several composers collaborated on single scores as a team. The first individual composer to win renown for his creativity was Max Steiner, a Viennese émigré who arrived in Hollywood in 1929 after working on Broadway (a common career move in the early years of the Depression). Steiner’s tentative score to Symphony of Six Million (1931) paved the way for his celebrated music for King Kong (1933). Traditionally viewed as the prototypical extra-diegetic score, King Kong featured a clear leitmotivic structure, illustrative music synchronized with specific on-screen activity, a degree of dissonance to suggest terror, and an intelligent use of silence to emphasize diegetic sound (notably in the climactic scene atop the Empire State Building, in which the sound of the biplanes’ machine guns predominates). All these characteristics have remained central to mainstream film music.

ผลลัพธ์ (ไทย) 1:

2. ช่วงเสียงฟิล์มให้ความถูกต้องของเพลงและรูปภาพที่เกี่ยวข้องเพิ่มขึ้นในระหว่างปี 1920 อุปกรณ์ที่ออกแบบมาเพื่อให้สัญลักษณ์จังหวะตั้งไว้ล่วงหน้าจะนำการรวม cinépupitre Pierre de La Commune (ใช้ Honegger) และสุ่ม Carl โรเบิร์ต 'rhythmonome' (ใช้ในการแบ่งระยะของ Krenek โอเปร่าเอาฟ์ spielt Jonny ใน 1927) แผ่นบันทึกไว้สำหรับการซิงโครไนส์กับโปรเจคเตอร์ได้ออกจากไลบรารีเสียง ใช้แผ่นพิมพ์สัญลักษณ์สำหรับการแสดงดนตรี ใน 1926 William Axt และ David เมนโดซาประกอบด้วยคะแนนพี่วอร์เนอร์ภาพ Don Juan บันทึก โดย PO นิวยอร์กบนระบบดิสก์ Vitaphone และความมุ่งมั่นของวอร์เนอร์ soundtracks บันทึกดิสก์ทำให้เกิดแรก 'talkie': Singer(1927) แจ๊ส นำแสดงโดย Al Jolson มายฟิล์มเสียงนำกับภัยคุกคามของการว่างงานสำหรับนักดนตรีหลายคนได้สร้างอาชีพด้วยตนเองในโรงภาพยนตร์ orchestras และนวัตกรรมของสื่อใหม่ชั่วคราวทำให้พื้นหลังคะแนนจากแฟชั่น: เพลงที่ปรากฏให้ emanate จากภาพเคลื่อนไหวตัวเองอาจจะดีขึ้นชิดขอบนั้นเคร่งครัด diegetic ในจุดเริ่มต้นของการ ในฮอลลีวูด ภาพยนตร์เสียงรวมต้นหลายเพลงสำหรับเปิด และปิดเครดิตนอกจาก diegetic ใช้ เป็นสไตเนอร์สูงสุดที่เกี่ยวข้อง เป็น violinist อาจ gratuitously อยู่ในพื้นหลังของฉากรักเท่านั้นให้ใช้อะไรมิฉะนั้นจะมองไม่เห็น underscoring โรแมนติกข้อยกเว้นเป็นภาพยนตร์ดนตรี ซึ่งเกิดขึ้นจากความนิยมของเพลงที่โดดเด่นในภาพยนตร์ละคร บรอดเวย์เมโลดี้ (1929) และซันนี่ด้านค่า (1930) อยู่ระหว่างพัฒนาแรกประกอบด้วยเป็นหน้าจอ และภาย ในกี่ปีคณะตามปกติก็เติบโตงดงาม Highpoints ต้นมีการทำงานของบัสเบิร์กลีย์ (ขุดทองของ 1933), และแอ สแตร์ Fred และจิงเจอร์โร เจอร์ส ที่มาถ่ายทำเรื่องเฟลมโบแยนท์ตีความเพลงโดยเออร์วิงเบอร์ลิน (หมวก 1935), Kern บุญเจอโรม (แกว่งเวลา 1936) และจอร์จแกร์ชวิน (แชลวี 1937) หลังจากความสำเร็จของตัวช่วยสร้างของออนซ์ (1939), กับเพลง โดย Arlen ฮาโรลด์และคะแนน โดยเฮอร์เบิร์ต Stothart เอ็มจีเอ็มผลิตละคร Technicolor แห่งที่สร้างขึ้น โดย Vincente Minnelli และยีนเคลลี่ ถึงแม้ว่าตัวอย่างที่เขียนขึ้นเป็นพิเศษสำหรับหน้าจอได้ยากหลังจากมิเมื่อโอนย้ายบรอดเวย์เป็น ปกติเสียงแรกภาพยนตร์ในยุโรปถูกขู่กรรโชกอัลเฟรดฮิตช์ค็อก (1929), ซึ่ง intially ถูกยิงเป็นเงียบแล้ว บางส่วน remade เพื่อรวมคะแนนให้ตรงกัน และแคลร์ฌูล Sous les toits ปารีสเดอ (1929), ซึ่งทั้งสองโอนแบบแผนของเพลงภาพยนตร์เงียบน้อยขายส่งไปยังหน้าจอเสียง นวัตกรรมมากขึ้นมีคะแนนของ Milhaud สำหรับลีลี่สตูดิโอ (1929) และจอร์จ Auric ของสำหรับเลอ Jean Cocteau สัง d'un poète (1931) ในเยอรมนี ผู้บุกเบิกก่อนการใช้ความคิดสร้างสรรค์ของเพลงต้นฉบับ diegetic ได้ Hollaender ฟรีดริชและในคารอ ที่คะแนน Der blaue Engel (1930) และเดอะบรา Karamazov (1931) ตามลำดับ Wolfgang Zeller ส่วนพบประกอบผ่านคะแนนกับ Carl Dreyer Vampyr 1932 ใน ในสหภาพโซเวียต ต้นเสียงฟิล์มคะแนนรวมของ Shostakovich Alone (1930) และ Prokofiev ของโท Kijé (1933)ปี 1920 โดยเทคโนโลยีใหม่สามารถเสียงการบันทึกโดยตรงไปยังแถบ celluloid แบกรูปภาพ และสตูดิโอฮอลลีวูดนำการไฟฟ้าตะวันตกสม่ำเสมอเมื่อเทียบเคียงใน 1930 ไมโครโฟนถูกเชื่อมโยงกับโคมไฟสั่นได้หรือกระจก deflecting เพื่อเปิดเผยเพลงในภาพยนตร์หุ้น ในระหว่างการฉาย รูปเพลงถูกเปลี่ยนเป็นสัญญาณไฟฟ้าโดยเซลล์ไฟฟ้าภาพ ตอนแรก ก็สามารถทำได้สำหรับเสียงจะถูกบันทึกพร้อมกับถ่ายรูปภาพ (มีข้อจำกัดรุนแรงเกิดจากไมโครโฟนที่ซ่อนอยู่ในชุดและต้องการเสียงดังเพื่อพิสูจน์เสียงบูธแห่งไม่เพียงพอ), แต่ โดย 1930 ช่วง เสียงอาจจะพากย์หลังยิง จึงเปิดศักยภาพความคิดสร้างสรรค์อย่างมาก โดยกลาง 1930 หลายเพลงได้พร้อมใช้งานสำหรับการบันทึกแยกเจรจา ดนตรี และเสียงประกอบ ความผิดเพี้ยนมีปัญหาร้ายแรงเมื่อบันทึกคะแนน orchestral และเหตุผลหนึ่งที่ทำไม soundtracks ต้นหลีกเลี่ยงพื้นผิวที่ซับซ้อนและบางเครื่องมือ ในปารีส Adolphe แซ็กซ์และ Eric Sarnette อายุพัฒนาเครื่องมือลมพิเศษกับระฆังปรับสำหรับการบันทึกสตูดิโอ ในขณะที่ Sarnette และเอสเลอร์ Hanns ละทิ้งเครื่องสาย ในช่วงต้น 1930 Pfenninger ชาวเยอรมันรูดอล์ฟและ Oscar Fischinger ขั้นรุนแรงสร้างย่อดนตรีโทนสีลายเพลงเขียน ด้วยมือในความพยายามที่จะหลีกเลี่ยงปัญหาการบันทึกคุณภาพและซิงโครไนส์ทั้งหมด การทดลองใน 'ภาพเคลื่อนไหวเสียง' แห่งดวง โดยนักประดิษฐ์ในสหภาพโซเวียต อังกฤษ และอื่น ๆจะได้คะแนนเพิ่ม diegetic ต้นฉบับรูปภาพละครเริ่มจะรับรู้ในสหรัฐอเมริกาเป็นคีตกวีใช้มีอิทธิพลสูงของฟิล์มธรรมดา orchestral คะแนนที่พัฒนาขึ้นอย่างรวดเร็ว รากของบริษัทของสำนวนในศตวรรษที่ 19 ศิลปะจินตนิยมถูก perpetuated ความ โดยมากอพยพยุโรปคีตกวีคุณค่าในลักษณะของวากเนอร์ สโทรส และฝรั่งเศสอิมเพรสชันนิซึม สตูดิโอฮอลลีวูดเพลงสูงงานแผนกที่โดดเด่น และที่คีตกวีแรกหลายเมืองบนคะแนนเดียวเป็นทีม ผู้ประพันธ์แต่ละแรกชนะชื่อเสียงสำหรับความคิดสร้างสรรค์ของเขาถูกสไตเนอร์ สูงสุด émigré ชาญที่มาในฮอลลีวู้ดในปีพ.ศ. 2472 หลังจากทำงานเซนทรัล (อาชีพทั่วไปย้ายในช่วงปีแรก ๆ ของภาวะซึมเศร้า) คะแนนของสไตเนอร์แน่นอนถึงซิมโฟนีของหกล้าน (1931) ปูทางสำหรับเพลงของเขาเฉลิมฉลองสำหรับคิงคอง (1933) ดูซึ่งเป็นคะแนนพิเศษ prototypical-diegetic คิงคองโครงสร้างชัดเจน leitmotivic แสดงเพลงตรงกับเฉพาะบนหน้าจอห้องกิจกรรม ระดับของ dissonance แนะนำก่อการร้าย และใช้ความเงียบเพื่อเน้นเสียง diegetic (โดยเฉพาะในฉาก climactic บนยอดอาคารของรัฐจักรวรรดิ เสียงปืนของ biplanes predominates) เป็นอัจฉริยะ ลักษณะเหล่านี้ยังคงมีศูนย์กลางหลักเพลงฟิล์ม

ผลลัพธ์ (ไทย) 2:

2. ภาพยนตร์เสียงในช่วงต้น.
กังวลสำหรับการประสานความถูกต้องของเพลงและภาพที่มองเห็นเพิ่มขึ้นในช่วงปี ค.ศ. 1920 อุปกรณ์ที่ออกแบบมาเพื่อให้ความหมายที่ตั้งไว้ล่วงหน้าจังหวะที่จะรวมตัวนำcinépupitreปิแอร์เดอลาคอมมูนของ (ใช้เน็ก) และคาร์ลโรเบิร์ตบลัม 'rhythmonome' (ใช้ไปในการแสดงละครโอเปร่า Krenek ของจอนนี่ spielt บนในปี 1927) บันทึกแผ่นเสียงไว้สำหรับการประสานกับโปรเจ็กเตอร์ที่ถูกดึงออกมาจากห้องสมุดเสียงเสริมพิมพ์แผ่นคิวสำหรับการแสดงดนตรีสด ในปี 1926 วิลเลียม Axt และเดวิดเมนโดซาประกอบด้วยคะแนนสำหรับภาพที่วอร์เนอร์บราเดอร์ดอนฮวน, บันทึกโดย PO นิวยอร์กในระบบดิสก์ Vitaphone และความมุ่งมั่นวอร์เนอร์ให้กับเพลงประกอบแผ่นบันทึกผลในครั้งแรก 'วิทยุ': นักร้องแจ๊ส ( 1927) ที่นำแสดงโดยอัล Jolson การมาถึงของภาพยนตร์เสียงมาด้วยภัยคุกคามของการว่างงานสำหรับนักดนตรีหลายคนที่ได้สร้างอาชีพสำหรับตัวเองในโรงหนังออเคสตร้าและความแปลกใหม่ของสื่อใหม่ชั่วคราวใส่คะแนนพื้นหลังออกจากแฟชั่น: เพลงที่ดูเหมือนจะออกมาจากการเคลื่อนไหว ภาพตัวเองอาจจะเป็นธรรมดีกว่าถ้ามันเป็นอย่างเคร่งครัด diegetic ในการให้กำเนิด ในฮอลลีวู้ดภาพยนตร์เสียงหลายต้นรวมเพลงเท่านั้นสำหรับการเปิดและปิดเครดิตนอกเหนือไปจากการใช้ diegetic; เป็นสทิแม็กซ์ที่เกี่ยวข้องกับไวโอลินอาจจะมีการรวมเปล่าในพื้นหลังของฉากเลิฟซีน แต่เพียงผู้เดียวที่จะแสดงให้เห็นถึงการใช้สิ่งอื่นจะมองไม่เห็น underscoring โรแมนติก.
ยกเว้นคือดนตรีภาพยนตร์ซึ่งงอกออกมาจากความนิยมของเพลงที่โดดเด่นในละคร ภาพยนตร์ บรอดเวย์ Melody (1929) และขึ้นด้านซันนี่ (1930) เป็นหนึ่งในกลุ่มเพลงแรกที่แต่งเป็นพิเศษสำหรับหน้าจอและภายในเวลาไม่กี่ปีที่ผ่านขั้นตอนการออกแบบท่าเต้นได้เติบโตงดงาม highpoints ต้นการทำงานของเหมาะเบิร์กลีย์ (ขุดทองปี 1933) และเฟร็ดแอสแตร์และ Ginger Rogers ที่ถ่ายทำตีความสีสันของเพลงโดยเออร์วิงเบอร์ลิน (หมวก, 1935) เจอโรมเคอร์น (Swing เวลา 1936) และจอร์จเกิร์ชวิน ( เราจะเต้นรำ, 1937) หลังจากประสบความสำเร็จของ Wizard of Oz (1939) กับเพลงของแฮโรลด์อาร์เลนและให้คะแนนโดยเฮอร์เบิ Stothart, เอ็มจีเอ็ผลิตละครเพลงเท็ฟุ่มเฟือยที่สร้างขึ้นโดยเซ็นเต้มินแนลและยีนเคลลี่แม้ว่าตัวอย่างเขียนขึ้นเป็นพิเศษสำหรับหน้าจอเป็นสัตว์หายากหลังจากช่วงกลาง ปี 1950 เมื่อการถ่ายโอนบรอดเวย์กลายเป็นบรรทัดฐาน.
ภาพยนตร์เสียงครั้งแรกในยุโรปเป็นอัลเฟรดฮิตช์ค็อกแบล็กเมล์ (1929) ซึ่งถูกยิง intially เป็นเงียบแล้วบางส่วนเหล็กไหลที่จะรวมคะแนนตรงกันและ Sous Renéแคลร์ของ les toits เดอปารีส (1929) ซึ่งทั้งสองโอนการประชุมของเพลงเงียบโรงภาพยนตร์มากขึ้นหรือน้อยขายส่งไปยังหน้าจอเสียง นวัตกรรมมากขึ้นเป็นคะแนนของ Milhaud สำหรับ Petite Lili (1929) และจอร์ Auric สำหรับ Jean Cocteau เลอร้องเพลง d'un poète (1931) ในประเทศเยอรมนีบุกเบิกเริ่มต้นของการใช้ความคิดสร้างสรรค์ของเพลง diegetic เดิมฟรีดริช Hollaender และ Karol ศาลาว่าการที่ได้คะแนน Der Blaue Engel (1930) และ The Brothers Karamazov (1931) ตามลำดับ โวล์ฟกังเซลเลอร์ส่วนมากคะแนนผ่านประกอบด้วยคาร์ลดรายเออร์ของ Vampyr ในปี 1932 ในสหภาพโซเวียตคะแนนเสียงฟิล์มต้นรวมคนเดียวสติ (1930) และ Prokofiev ของโท Kije (1933).
ในตอนท้ายของปี ค.ศ. 1920 เทคโนโลยีใหม่ที่ได้รับอนุญาตเสียง จะได้รับการบันทึกโดยตรงไปยังแถบเซลลูลอยด์แบกภาพที่มองเห็นและสตูดิโอฮอลลีวู้ดนำมาใช้อย่างสม่ำเสมอกระบวนการไฟฟ้าตะวันตกในปี 1930 ไมโครโฟนถูกเชื่อมโยงกับทั้งโคมไฟสั่นหรือกระจกเบนในการสั่งซื้อที่จะเปิดเผยซาวด์บนแผ่นฟิล์มหุ้น; ในระหว่างการฉายรูปแบบซาวด์ถูกเปลี่ยนเป็นสัญญาณไฟฟ้าจากเซลล์ภาพไฟฟ้า ตอนแรกมันก็เป็นเพียงที่เป็นไปได้เพื่อให้ได้เสียงที่จะถูกบันทึกไว้พร้อมกับการถ่ายภาพของภาพที่มองเห็น (ด้วยข้อ จำกัด อย่างรุนแรงที่เกิดจากไมโครโฟนไม่เพียงพอที่ซ่อนอยู่ในชุดและความจำเป็นสำหรับกล้องมีเสียงดังที่จะอยู่ในบูธกันเสียง) แต่โดย ช่วงทศวรรษที่ 1930 ในช่วงต้นของเสียงที่จะได้รับการขนานนามว่าหลังจากที่การถ่ายภาพจึงเปิดขึ้นที่มีศักยภาพความคิดสร้างสรรค์อย่างมาก โดยแทร็คกลางปี ​​1930 หลายคนที่พร้อมใช้งานสำหรับการบันทึกการสนทนาที่แยกต่างหากจากเพลงและเสียง เพี้ยนเป็นปัญหาร้ายแรงเมื่อบันทึกคะแนนดนตรีและเป็นหนึ่งในเหตุผลที่ว่าทำไมเพลงประกอบต้นหลีกเลี่ยงพื้นผิวที่มีความซับซ้อนและเครื่องมือบาง; ในปารีส, น้องดอล์ฟแซกและเอริค Sarnette พัฒนาเครื่องมือลมพิเศษกับระฆังปรับสำหรับการบันทึกสตูดิโอในขณะที่ Sarnette และ Hanns Eisler ทอดทิ้งเครื่องสาย ในช่วงทศวรรษที่ 1930 ในช่วงต้นของเยอรมันรูดอ Pfenninger และออสการ์ Fischinger เอาขั้นตอนรุนแรงของการสร้างเสียงดนตรีที่เป็นนามธรรมที่มีรูปแบบซาวด์แทร็กที่เขียนด้วยมือในความพยายามที่จะหลีกเลี่ยงปัญหาในการบันทึกความจงรักภักดีและการประสานกันในการทดลอง 'เสียงภาพเคลื่อนไหว' ขนานโดยนักประดิษฐ์ ในสหภาพโซเวียต, ประเทศอังกฤษและที่อื่น ๆ .
ที่มีศักยภาพสำหรับต้นฉบับคะแนนพิเศษ diegetic ในภาพที่น่าทึ่งเริ่มที่จะตระหนักในประเทศสหรัฐอเมริกาในฐานะนักแต่งเพลงได้อย่างรวดเร็วการพัฒนาภาษากลางที่มีอิทธิพลอย่างมากในการให้คะแนนภาพยนตร์ดนตรีทั่วไป รากของ บริษัท สำนวนในยวนใจในศตวรรษที่ 19 ได้รับการชุลมุนโดยคีตกวียุโรปจำนวนมากอพยพเข้ามาแพร่หลายในรูปแบบของวากเนอร์, สเตราส์และอิมเพรสชั่ฝรั่งเศส สตูดิโอฮอลลีวู้ดให้ความสำคัญหน่วยงานเพลงที่ใช้งานสูงและนักแต่งเพลงที่หลาย ๆ ครั้งแรกที่ร่วมมือกับคะแนนเดียวเป็นทีม นักแต่งเพลงแต่ละคนแรกที่ชนะมีชื่อเสียงสำหรับความคิดสร้างสรรค์ของเขาคือแม็กซ์สทิémigréเวียนนาที่เข้ามาในฮอลลีวู้ดในปี 1929 หลังจากที่ได้ทำงานในบรอดเวย์ (อาชีพทั่วไปย้ายในช่วงปีแรกของภาวะเศรษฐกิจตกต่ำครั้ง) ทิคะแนนในเบื้องต้นว่าจะซิมโฟนีของหกล้าน (1931) ปูทางสำหรับการฟังเพลงที่มีชื่อเสียงโด่งดังของเขาสำหรับคิงคอง (1933) ดูตามเนื้อผ้าเป็นแม่บทคะแนนพิเศษ diegetic, คิงคองให้ความสำคัญเป็นโครงสร้างที่ชัดเจน leitmotivic เพลงตัวอย่างตรงกับกิจกรรมบนหน้าจอเฉพาะระดับของความไม่สอดคล้องกันเพื่อแสดงให้เห็นความหวาดกลัวและการใช้งานที่ชาญฉลาดของความเงียบที่จะเน้นเสียง diegetic (สะดุดตาใน ที่เกิดเหตุอยู่บนยอดตึก Empire State Building ซึ่งเสียงของปืน biplanes 'ทุกข์ยาก) ลักษณะเหล่านี้ทั้งหมดยังคงอยู่กลางเพลงภาพยนตร์กระแสหลัก

ผลลัพธ์ (ไทย) 3:

2 . ภาพยนตร์เสียงต้น .
สนใจตรงกันถูกต้องของเพลงและภาพที่มองเห็นเพิ่มขึ้นในช่วงปี ค.ศ. 1920 . อุปกรณ์ที่ออกแบบมาเพื่อให้จังหวะที่ตั้งตัวเป็นวาทยากรรวม Pierre de la commune คือ cin é pupitre ( ที่ใช้โดยโฮนิกเกอร์ ) และ คาร์ล โรเบิร์ต rhythmonome บลูม ' ' ( ที่ใช้ในการแสดงละครของ krenek ของโอเปร่า จอนนี spielt ไปยัง 1927 )บันทึกแผ่นเสียงไว้ เพื่อประสานกับโปรเจคเตอร์ได้มาจากห้องสมุดเสียง รูปแบบพิมพ์แผ่นคิวสำหรับการแสดงดนตรีสด ในปี 1926 วิลเลียม AXT ดาวิดเมนโดซาประกอบด้วยคะแนนสำหรับวอร์เนอร์รูปภาพ ดอน ฮวน บันทึกโดยนิวยอร์ก PO ในระบบดิสก์ vitaphone และความมุ่งมั่นของวอร์เนอร์ดิสก์บันทึก soundtracks ส่งผลให้เกิดแรก ' ส่งสัญญาณ ' :นักร้องแจ๊ส ( 1927 ) ที่นำแสดงโดย อัล โจลสัน . การมาถึงของภาพยนตร์เสียงมาด้วยการคุกคามของการว่างงานหลายนักดนตรีที่มีอาชีพตัวเองในโรงภาพยนตร์ก่อตั้งวงและความแปลกใหม่ของอาหารใหม่ชั่วคราวใส่คะแนนพื้นหลังออกของแฟชั่นเพลงที่ดูเหมือนจะไหลจากภาพยนตร์ที่ตัวเองอาจจะดีขึ้นได้ ถ้าเป็นอย่าง diegetic ในที่มา ในฮอลลีวู้ดหลายต้นภาพยนตร์เสียงดนตรีรวมสำหรับการเปิดและปิดเครดิต นอกจากใช้ diegetic ; เป็นแม็กซ์เนอร์ที่เกี่ยวข้องซึ่งไม่จำเป็นต้องมีนักไวโอลินอาจจะรวมอยู่ในพื้นหลังของฉากเลิฟซีน แต่เพียงผู้เดียวที่จะปรับใช้ที่มิฉะนั้นจะมองไม่เห็นโรแมนติก ( .
ข้อยกเว้นเป็นภาพยนตร์ ดนตรี ซึ่งเพิ่มขึ้นจากความนิยมของเพลงเด่นในภาพยนตร์ดราม่า บรอดเวย์เมโลดี้ ( 1929 ) และ ไข่ดาว ( 1930 ) อยู่ในกลุ่มแรก เพลงแต่งพิเศษสำหรับหน้าจอและภายในไม่กี่ปี ยังปฏิบัติได้เติบโตงดงาม ต้น highpoints เป็นผลงานของ บัสบีเบิร์กลีย์ ( Gold Diggers 1933 ) และ โอลิเวอร์ สโตน และขิง โรเจอร์ ใครถ่าย Flamboyant แปลเพลงโดยเออร์วิงเบอร์ลิน ( หมวกด้านบน 1935 ) , เจโรม เคิร์น ( เวลาแกว่ง 1936 ) และจอร์จเกิร์ชวิน ( เรามาเต้นรำ , 1937 ) หลังจากความสำเร็จของพ่อมดแห่งออซ ( 1939 )กับเพลงโดยแฮโรลด์อาร์เลินและคะแนนโดยเฮอร์เบิร์ต stothart MGM ผลิตฟุ่มเฟือยเทคนิคัลเลอร์ละครเพลงที่สร้างโดยวินเซนต์ มินเนลลี และ เคลลี่ แม้ว่าตัวอย่างพิเศษที่เขียนขึ้นสำหรับหน้าจอยากหลังจากโอนเงิน - เมื่อบรอดเวย์เป็นบรรทัดฐาน
ภาพยนตร์เสียงแรกในยุโรปของ Alfred Hitchcock หักหลัง ( 1929 )ซึ่ง intially ยิงเงียบแล้วจึงจัดแจงรวมถึงทำคะแนน และ Ren é Clair ซูเลสที่สองปารีส ( 2472 ) ซึ่งเป็นการโอนเพลงภาพยนตร์เงียบมากขึ้น หรือขายส่งน้อยกว่าหน้าจอเสียง นวัตกรรมมากขึ้น มีคะแนน milhaud สำหรับ Petite Lili ( 1929 ) และจอร์ชสสำหรับของ Jean Cocteau เลอโปเต้ซัง a . ( 1931 ) ในเยอรมันแรกผู้บุกเบิกการใช้ความคิดสร้างสรรค์ของเพลงต้นฉบับและ diegetic ฟรีดริชฮอเลนเดอร์ Karol ราทเ ใครคะแนน เดอ blaue แองเจล ( 1930 ) และพี่น้องคารามาซอฟ ( 1931 ) ตามลำดับ โวล์ฟกัง เซลเลอร์ซึ่งประกอบด้วยรูปธรรมผ่านคะแนนของคาร์ล เดรเยอร์ vampyr ใน 1932 . ในสหภาพโซเวียตก่อนเสียงภาพยนตร์คะแนนรวม ชอสตาโกวิชอยู่คนเดียว ( 1930 ) และโปรโคเฟียฟเป็นผู้แทน Kij ) ( 1933 ) .
โดยการสิ้นสุดของปี ค.ศ. 1920 เทคโนโลยีใหม่ที่ได้รับอนุญาตให้บันทึกเสียงโดยตรงเพื่อภาพยนตร์แถบถือภาพที่มองเห็นและสตูดิโอฮอลลีวู้ดโดยประกาศใช้กระบวนการตะวันตกไฟฟ้าใน 1930ไมโครโฟนกับทั้งสั่น โคมไฟ หรือ เปลี่ยนกระจก เพื่อเปิดเพลงในหุ้นฟิล์ม ในระหว่างการฉายภาพยนตร์แบบถูกแปลงเป็นสัญญาณไฟฟ้า โดยภาพถ่ายไฟฟ้าเซลล์ตอนแรกมันเป็นเพียงที่เป็นไปได้สำหรับเสียงที่จะบันทึกพร้อมกันกับการถ่ายภาพของภาพที่มองเห็น ( ด้วยข้อ จำกัด ที่เกิดจากการขาดรุนแรงไมโครโฟนที่ซ่อนอยู่ในชุดและต้องการกล้องที่มีเสียงดังเป็น housed ในบูธเก็บเสียง ) แต่โดยในช่วงต้นยุคเสียงอาจจะขนานนามว่า หลังจากถ่ายภาพจึงเปิดศักยภาพมหาศาลที่สร้างสรรค์ .โดย mid-1930s หลายแทร็คที่พร้อมใช้งานสำหรับการบันทึกแยกต่างหากของการสนทนา , เสียงเพลงและเสียง การเป็นปัญหาที่ร้ายแรงเมื่อบันทึกคะแนนดนตรี และอีกเหตุผลหนึ่งที่ต้นเพลงหลีกเลี่ยงพื้นผิวที่ซับซ้อนและบางเครื่องมือ ในปารีส น้องแซก และอีริค sarnette Adolphe พัฒนาพิเศษด้วยระฆังลมเครื่องมือปรับสำหรับการบันทึกสตูดิโอและในขณะที่ sarnette สินค้า eisler ทิ้งเครื่องดนตรี ในช่วงต้นทศวรรษที่ 1930 เยอรมันรูด pfenninger และออสการ์ fischinger เอาขั้นตอนการสร้างเสียงดนตรีด้วยรูปแบบนามธรรมเพลงเขียนโดยมือในการพยายามที่จะหลีกเลี่ยงปัญหาของการบันทึกความจงรักภักดีและทำข้อมูลให้ตรงกันทั้งหมดการทดลองใน ' เสียง ' เคลื่อนไหวได้โดยนักประดิษฐ์ในสหภาพโซเวียต อังกฤษ และที่อื่นๆ เพื่อเสริมศักยภาพเดิม
diegetic คะแนนในภาพได้อย่างน่าทึ่ง เริ่มมีการตระหนักในประเทศสหรัฐอเมริกาเป็นคีตกวีที่พัฒนาอย่างรวดเร็วเป็นผู้มีอิทธิพลสูงภาษากลางปกติแปลงฟิล์มให้คะแนนของ บริษัท ในศตวรรษแนวโรแมนติกเป็นรากของ perpetuated โดยมากอพยพยุโรปคีตกวีแพร่หลายในรูปแบบของ วากเนอร์ สเตราส์ และศิลปะอิมเพรสชันนิสม์ฝรั่งเศส โดยสตูดิโอ Hollywood เด่นแผนกดนตรีที่ใช้งานสูง และนักประพันธ์เพลงหลายแรกคะแนนเดียวร่วมกันเป็นทีม นักแต่งเพลงบุคคลแรกที่จะชนะชื่อเสียงสำหรับความคิดสร้างสรรค์ของเขาแม็กซ์ Steiner ,เป็นเวียนนาจาก migr ) ที่เข้ามาใน Hollywood ใน 2472 หลังจากทำงานในบรอดเวย์ ( ย้ายอาชีพทั่วไปในช่วงต้นปีของภาวะซึมเศร้า ) สไตเนอร์ก็แน่นอนคะแนนซิมโฟนีของหกล้าน ( 1931 ) ปูทางสำหรับการเฉลิมฉลองเพลงคิงคอง ( 1933 ) ผ้าดูเป็นแบบพิเศษ diegetic คะแนนคิงคองแนะนำโครงสร้าง leitmotivic ชัดเจนภาพประกอบเพลงตรงกันกับกิจกรรมบนหน้าจอที่เฉพาะเจาะจง ระดับของความไม่สอดคล้องกันเพื่อให้หวาดกลัว และฉลาดใช้ความเงียบเพื่อเน้น diegetic เสียง ( โดยเฉพาะในฉาก climactic บนยอดตึกเอ็มไพร์สเตท ซึ่งเสียงของ 33040 ' ปืนกลนํา ) คุณลักษณะทั้งหมดเหล่านี้ยังคงมีศูนย์กลางหลัก
ภาพยนตร์ดนตรี